Zigzag cinéphile

Femmes de Paris (1953)

2011-12-20T22:36:00.004+01:00

Une jeune femme appelle par erreur un prix Nobel d’astronomie et croyant parler à son amant elle lui annonce qu’elle va se suicider s’il ne la rejoint pas au Ruban bleu. L’astrologue décide de se rendre au cabaret parisien où se tient la première du nouveau spectacle afin de retrouver la jeune femme et l’empêcher de commettre l’irréparable.

Le scénario de ce film est d’une grande pauvreté. L’intrigue, traitée avec légèreté, n’est là que comme fil rouge pour nous faire découvrir l’intérieur d’un cabaret parisien très chic, avec ses numéros musicaux et comiques et ses danseuses à la poitrine dénudée. Dans le rôle principal, Michel Simon joue les braves hommes peu habitués à ce type de sorties. Il s’agit là d’un rôle insignifiant dans la carrière de ce grand comédien. Ce film à l’humour désuet, qui accumule les clichés, mérite bien l’oubli dans lequel il a sombré. Pourtant, les amateurs de music hall français de l’après-guerre pourront apprécier d’y retrouver de vieilles gloires tels que Patachou, Robert Lamoureux et le chef d’orchestre Ray Ventura qui nous offre sur la fin un long numéro assez réussi dans lequel on retrouve aussi le duo comique Roger Pierre et Jean-Marc Thibault. Ces personnalités donnent à ce film mineur un certain charme.

Femmes de Paris - France (1953), de Jean Boyer, avec Michel Simon, Brigitte Auber, Henri Génès, Micheline Dax. (Acheter le DVD sur Amazon)

Le Guignolo (1980)

2011-10-09T22:48:00.009+02:00

Un escroc sympathique de haut vol se rend à Venise et se retrouve pris au piège dans une affaire d’espionnage.

Cela aurait pu être un film noir, inquiétant (ce viseur à infrarouge qui suit le héros et abat tous ceux qui l’approchent), mais c’est une comédie. Comme à son habitude, Georges Lautner (Les Tontons flingueurs, Ne nous fâchons pas) part d’une intrigue policière pour réaliser une œuvre comique qui flirte souvent ici avec le burlesque. Et comme tout Belmondo de cette grande époque, on a le droit à des numéros spectaculaires : Belmondo en caleçon blanc à poids rouge suspendu à un hélicoptère, Belmondo qui dévaste le hall d’un hôtel avec un hors-bord…

A tous ceux qui n’apprécient pas les pitreries de Belmondo, il est conseillé de prendre la fuite car l’acteur en fait des tonnes et l’on peut parler sans se tromper de cabotinage. Les spectateurs plus indulgents pourront apprécier ce spectacle divertissant à souhait servit par une pléiade de seconds rôles de grand talent qui récitent les dialogues réjouissants du grand Michel Audiard.

Le Guignolo - France (1980) de Georges Lautner, avec Jeam-Paul Belmondo, Carla Romanelli, Charles Gérard, Michel Galabru, Georges Géret, Michel Beaune, Henri Guibet, Philippe Castelli, Pierre Vernier. (Achetez le DVD sur Amazon)

Les Fleurs du miel (1976)

2011-09-29T23:50:00.004+02:00

Une bourgeoise annonce à son mari son intention de le tromper. Elle choisie pour cela le livreur qui se présente ce jour là.

Les Fleurs du miel est un film assez laborieux, un film dans lequel les personnages sortent des tirades si bien tournées qu’ils donnent l’impression de lire des livres. Du moins c’est le cas de l’époux, un critique de cinéma, qui semble être la voix de Claude Faraldo, qui a écrit et réalisé ce film (il joue aussi le rôle du livreur). Il est beaucoup question de cinéma et de couple dans ces tirades vaines débitées devant le livreur, un pauvre bougre silencieux qui écoute, mal à l’aise, avant de pouvoir, à la fin du film, consommer Madame. Mais pourquoi faire de cette histoire un film ? C’est la question que l’on se pose tant l’image semble superflue. Cela aurait peut-être pu faire un bon livre ou une bonne dramatique radiophonique mais ce n’est pas du cinéma.

Les Fleurs du miel - France (1976), de Claude Faraldo, avec Brigitte Fossey, Gilles Ségal, Claude Faraldo. (Acheter le DVD sur Amazon)

Tragique rendez-vous (1946)

2011-05-01T23:43:00.005+02:00

Après avoir passée quelque temps à Chicago, Mary revient chez elle retrouver son mari mais celui-ci n’a pas changé, il passe ses journées à boire et à jouer. Elle est courtisée par Lentz, le playboy de la ville.

Tragique rendez-vous, réalisé par le français Léonide Moguy, est un film noir. L’histoire d’un vrai looser, paresseux et qui n’a pas vraiment confiance en lui, qui laisse filer sa vie et la femme qu’il aime et qui l’aime, la magnifique Mary. Celle-ci semble prête à succomber aux avances du beau Lew Lentz, un homme d’affaires suffisant. L’histoire fonctionne plutôt bien même si le comportement des personnages posent problème, ce qui nuit au réalisme. Ils ont tous tendance à changer en cours de route : les mauvais se découvrent un bon fonds et certains bons ne le sont finalement pas tant que ça. Ces changements de personnalités sont un peu déroutant car souvent maladroits.

Côté casting, George Raft n’est qu’à moitié convaincant dans ce rôle de looser, pas vraiment sympathique. On remarque plutôt les rôles secondaires et notamment Victor McLaglen. Et bien sûr, le regard est aimanté par la magnétique Ava Gardner, ravissante dans ce qui fut l’un de ses tout premiers rôles majeurs.

Whistle Stop - USA (1946), de Léonide Moguy, avec George Raft, Ava Gardner, Victor McLaglen, Tom Conway. (Acheter le DVD sur Amazon)

Détour (1946)

2011-04-24T22:17:00.003+02:00

Un new-yorkais fait de l’auto-stop pour rejoindre sa fiancé en Californie. Il monte dans la voiture d’un homme étrange et sa vie en sera bouleversée à tout jamais.

Détour est l’archétype du film noir. L’histoire d’un homme brisé par le destin pour s’être trouvé au mauvais endroit au mauvais moment. Très court, ce film va à l’essentiel, pas de scènes inutiles. Mais le personnage principal, narrateur de l’histoire, est particulièrement crédible et attachant. Comment ne pas apprécier ce personnage, en proie aux pires mots après être devenu criminel par accident ? Et surtout, comment ne pas éprouver de la compassion pour cet homme malmené par une abominable mégère qui le maintient prisonnier et le contraint à exécuter ses plans diaboliques. On a rarement vu un personnage féminin aussi détestable que celui-ci, interprété avec savoir-faire par Ann Sauvage. Un authentique chef d’œuvre de série B.

Detour - USA (1945), de Edgar J. Ulmer, avec Tom Neal, Ann Sauvage, Claudia Drake, Edmund MacDonald. (Acheter le DVD sur Amazon)

Il marchait la nuit (1948)

2011-04-15T20:45:00.005+02:00

Un soir à Los Angeles, un policier est abattu alors qu'il contrôlait l'identité d'un homme au comportement suspect. Les enquêteurs disposent de peu d'indices pour retrouver l'assassin.

Une ville, un fait divers. L'occasion pour le réalisateur (Alfred L. Werker au générique, Anthnony Mann dans les faits) de filmer avec réalisme à la manière d'un documentaire le travail de la police pour résoudre l'énigme et interpeler l'assassin. La présence d'un narrateur qui adopte le ton d'un journaliste d'actualité de l'époque renforce l'aspect documentaire tout comme l'emploi de visages anonymes (pas de star dans ce film). Cette bonne série B, produite par la petite société de production Eagle-Lion Films, bénéficie de plans soignés et d'un montage relativement nerveux. On pense inévitablement au feuilleton Dragnet qui connut un grand succès dans les années 50 à la radio puis à la télévision. Normal puisque c'est ce film qui inspira la série. On retrouve d'ailleurs dans le casting Jack Webb qui devint l'acteur principal de Dragnet. Ce n'est pourtant pas lui qui aimante la caméra mais Richard Basehart, alors inconnu, dans le rôle de l'assassin, à la fois beau et inquiétant.

He Walked by Night - USA (1948) de Alfred L. Werker, avec Richard Basehart, Scott Brady, Roy Roberts, Whit Bissell, Jack Webb. (Acheter le DVD sur Amazon)

Le Voyage de la peur (1953)

2011-04-10T19:01:00.005+02:00

Deux hommes partent en virée au Mexique. Ils s’arrêtent en route pour prendre un auto-stoppeur. Manque de chance, il s’agit d’un tueur en fuite particulièrement dangereux.

Ce petit thriller au budget limité s’est imposé avec le temps comme un grand film de série B des années 50. La tension monte progressivement à bord de la voiture conduite par les deux personnages principaux sous la menace d’une tueur psychopathe qui, ils le savent, les éliminera dès qu’il n’aura plus besoin d’eux. Il leur faudra donc ruser pour pouvoir s’échapper mais, face à un adversaire aussi coriace, ce n’est pas aisé. Tout le film repose sur William Talman, très inquiétant dans le rôle du tueur. Son côté inquiétant est renforcé par une belle trouvaille : une blessure l’empêche de fermer un œil, même quand il dort, ce qui rend l’évasion des deux otages beaucoup plus compliquée et contribue au malaise du spectateur. On aurait quand même pu espérer quelques péripéties en plus, le film semblant parfois un peu lent. Enfin, il faut noter qu’il s’agit là de la plus fameuse réalisation d’Ida Lupino, la seule actrice de son temps à être passée derrière la caméra.

The Hitch-Hiker - USA (1953) de Ida Lupino, avec Edmond O’Brien, Frank Lovejoy, William Talman, José Torvay. (Acheter le DVD sur Amazon)

La Mer regarde (2002)

2011-04-02T11:31:00.003+02:00

A l’époque d’Edo, dans une maison close, des prostituées vivent ensemble en parfaite harmonie, espérant qu’un jour un client demandera leur main. C’est notamment le cas de Oshin, courtisée par un jeune samouraï à qui elle est venue en aide.

Le cinéma japonais regorge de films sur les bordels, le plus souvent des séries B voyeuristes. Tel n’est pas le cas de cette adaptation d’un scénario d’Akira Kurosawa qui propose de beaux portraits de femmes. La mise en scène très poétique de Kei Kumai appuie sur le symbolisme plus que sur le réalisme. Et le cinéaste semble se soucier plus d’esthétisme que de rythme. Le film, presque dépourvu de scènes d’action, s’étire sur deux longues heures et l’on peut trouver le temps long si l’on est insensible à l’élégance et au charme de ces poupées japonaises du siècle dernier, interprétées par d’excellentes actrices, la plus remarquable étant sans nul doute Misa Shimizu.

海は見ていた – Japon (2002), de Kei Kumai, avec Misa Shimizu, Nagiko Tôno, Masatoshi Nagase, Hidetaka Yoshioka, Michiko Kawai, Yumiko Nogawa, Tenshi Kamogawa. (Acheter le DVD sur Amazon)

Fantomas contre Scotland Yard (1967)

2011-03-26T22:25:00.008+01:00

Fantomas met en place un plan diabolique pour racketter les plus grosses fortunes de la planète. Ceux-ci, réunis dans un château en Écosse, font notamment appel au célèbre Commissaire Juve pour contrer les plans du criminel.

Fantomas et son plan qui se veut diabolique mais n’est que ridicule n’impressionne pas. D’ailleurs, ce personnage de légende qui fit trembler bien des lecteurs et des spectateurs au début du XXe siècle n’est plus vraiment au cœur de l’intrigue. Il n’est ici que le faire-valoir de Louis de Funès qui joue son petit numéro de méchant colérique habituel plutôt que d’interpréter le Commissaire Juve. Quant au journaliste Fandor, interprété par Jean Marais, il est devenu complètement inutile à l’intrigue si intrigue il y a… Si l’idée de faire de Fantomas une comédie policière n’était pas mauvaise, force est de constater qu’un seul film aurait suffit. Avec ce troisième et dernier volet, la série s’essouffle grandement.

Fantomas contre Scotland Yard - France (1967) d’André Hunebelle, avec Louis de Funès, Jean Marais, Mylène Demongeot. (Acheter le coffret DVD Fantomas sur Amazon)

Tendre voyou (1966)

2011-03-18T23:28:00.004+01:00

Menteur et séducteur, Tony Maréchal est un gigolo et un escroc. Il vit la belle vie et voyage auprès de ravissantes femmes du monde.

Dans ce film plein de charme, au rythme très enlevé, de Jean Becker, on retrouve un Belmondo au top de sa forme qui exécute avec brio son grand numéro de séducteur volubile et survolté. Il en fait des tonnes mais comment ne pas adorer ? Il est parfait dans la peau de ce personnage joueur et doté d’une imagination débordante, qui s’invente des personnages et imagine des histoires parfois abracadabrantes pour séduire et soutirer de l’argent à de ravissantes femmes fortunées. On rit de la crédulité de tout ces personnages et des nombreux quiproquos que les mensonges ne manquent pas de créer. C’est jouissif grâce notamment à une belle brochette de seconds rôles (Jean-Pierre Marielle, Philippe Noiret, Marcel Dalio, Maria Pacôme…) et de charmantes créatures (Mylène Demongeot, Nadja Tiller, Stefania Sandrelli). Un autre artisan de ce succès est le grand Michel Audiard qui a signé les dialogues de ce film avec le talent que l‘on sait.

Tendre voyou - France (1966) de Jean Becker, avec Jean-Paul Belmondo, Jean-Pierre Marielle, Mylène Demongeot, Nadja Tiller, Philippe Noiret, Géraldine Page, Maria Pacôme, Marcel Dalio, Stefania Sandrelli, Micheline Dax, Robert Morley, Pierre Tornade. (Acheter le DVD sur Amazon)

Porky's II (1983)

2011-02-18T21:41:00.006+01:00

Une secte intégriste veut interdire la représentation d'une pièce de Shakespeare que des lycéens doivent donner, jugeant l'auteur licencieux. Les lycéens contre-attaquent.

Le premier épisode de cette série avait un côté sympathique et amusant qui s'est hélas perdu en route. Porky's II rame du début à la fin pour essayer, en vain, d'arracher un sourire au spectateur. Il faut dire que s'attaquer à l'intégrisme religieux peut être ingénieux mais cela demande de la finesse et cette comédie n'en a aucune. L'humour potache et le cul vont bien ensemble mais pour des sujets plus graves, cela ne marche pas. Du coup, ce film ne semble être qu'une tentative infructueuse des producteurs de rééditer le succès du premier Porky's, une suite bâclée que seul l'appât du gain justifie. On éprouve beaucoup de gêne à voir tout ces "gags" tomber à plat et tout ces comédiens, peu talentueux, ramer sur ce script qui ne méritait pas d'être filmé.

Porky's II: the Next Day - USA (1983), de Bob Clark, avec Dan Monahan, Wyatt Knight, Mark Herrier, Roger Wilson, Cyril O'Reilly, Tony Ganios, Kaki Hunter, Scott Colomby, Nancy Parsons. (Acheter le DVD sur Amazon)

Porky's (1982)

2011-02-12T09:02:00.005+01:00

Dans l'Amérique des années 50, des lycéens américains obsédés par le sexe sont à la recherche d'expériences dans ce domaine. Ils se rendront notamment au Porky's, un club de campagne interlope à la réputation sulfureuse.

Porky's, c'est le American Pie des années 80. Une comédie potache qui ne parle que de cul. Les amateurs d'humour subtil passeront donc leur chemin. En revanche, ceux qui ont gardé un penchant pour cet humour puéril ou qui sont capables de mettre en veille leur esprit critique s'amuseront sans doute un peu de cette succession de gags graveleux. La bande de lycéens que l'on suit s'avère attachante et c'est sans doute l'une des raisons de ce gros succès du box-office qui connut trois suites. Ces jeunes gens se chambrent, se font des farces et parfois, mais finalement très rarement, forniquent. Parmi les moments fort du film, l'orgasme fort peu discret de Kim Cattrall et une prof d'éducation physique furieuse, qui répond au joli nom de Balbricker (ball breaker), qui chope le membre d'un lycéen pris d'un accès d'exhibitionnisme avec une rage et une détermination de pitbull.

Porky's - USA (1982), de Bob Clark, avec Dan Monahan, Mark Herrier, Wyatt Knight, Roger Wilson, Cyril O'Reilly, Tony Ganios, Kaki Hunter, Kim Cattrall, Susan Clark, Nancy Parsons, Boyd Gaines. (Acheter le DVD sur Amazon)

Biloxi Blues (1988)

2011-02-05T21:06:00.006+01:00

Biloxi (Mississippi), 1945. Un jeune appelé juif new-yorkais, apprenti écrivain, fait ses classes. Il est entouré de rustres venus de l’Amérique profonde et tous doivent subir une formation militaire dispensée par un sergent instructeur particulièrement sadique.

Les films relatant la préparation de militaires en temps de guerre ne sont pas rares mais il s’agit rarement de comédies, à l’exception de quelques potacheries lourdingues. Ce n’est pas le cas de Biloxi Blues, réalisé par Mike Nichols (une garantie de qualité) d’après une pièce du dramaturge Neil Simon (Pieds nus dans le parc). Ce film est une comédie douce-amère teintée de nostalgie. Les amateurs d’humour juif new-yorkais apprécieront les mésaventures de cet appelé, perdu au milieu d’un monde très éloigné du sien, qui tente de tenir tête à un sergent instructeur particulièrement sadique et vicieux, campé par un Christopher Walken jubilatoire, qui tient là l’un de ses meilleurs rôles. Il vole d’ailleurs la vedette à l’irréprochable Matthew Broderick qui joue un personnage sympathique mais dont les tracasseries sont trop banales (perdre son pucelage, tomber amoureux) pour rivaliser avec le personnage de Walken. Il est bien dommage que ce film de qualité, doté d'une très belle musique de Georges Delerue, soit passé inaperçu en France et y demeure méconnu.

Biloxi Blues - USA (1988), de Mike Nichols, avec Matthew Broderick, Christopher Walken, Matt Mulhern, Penelope Ann Miller, Park Overall. (Acheter le DVD sur Amazon)

La Rose pourpre du Caire (1985)

2011-01-29T13:21:00.007+01:00

New Jersey, années 30. Serveuse dans un resto minable, battue par un époux fainéant qui vit à ses crochets, Cecilia ne vit que pour aller au cinéma. Un jour le héros d’un film sort de l’écran pour lui déclarer sa flamme.

La Rose pourpre du Caire est une jolie fable, un peu amère, sur le pouvoir de la fiction et plus particulièrement du cinéma. Un hommage à ces histoires et ces personnages qui permettent aux hommes d’oublier la dureté de la vie, le temps d'une heure ou deux. Ainsi Cécilia, qui mène une vie particulièrement morose, voit et revoit un film mièvre intitulé « La Rose pourpre du Caire » dont Woody Allen s’est amusé à filmer de nombreuses scènes. Elle est séduite par un personnage de ce film, un homme parfait, qui sort de l’écran pour venir vivre avec elle dans le monde réel, un monde dans lequel il a bien du mal à s’adapter.

Et pendant ce temps, le reste des personnages paniquent, s’impatientent, discutent, incapables de faire face à ce bouleversement. Les spectateurs grondent. Les professionnels du cinéma tentent de réagir. C’est la partie la plus cocasse du film. Woody Allen fait mouche dans ces scènes particulièrement absurdes où personnages et spectateurs se disputent en vain. Puis intervient l’acteur principal du film qui courtise à son tour Cécilia pour tenter de ramener le personnage qu’il incarne dans le film. Cécilia devra alors choisir entre le comédien, imparfait mais bien réel, ou le personnage, parfait mais fictif.

Purple Rose of Cairo - USA (1985), de Woody Allen, avec Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Dianne Wiest, Van Johnson, John Wood, Glenne Headly. (Acheter le DVD sur Amazon)

Le Cavalier au masque (1955)

2011-01-22T19:46:00.007+01:00

France,1803. Une poignée d’irréductibles nobles menés par le flamboyant « Masque Pourpre » résiste à la Terreur et tient tête à Napoléon Bonaparte.

Ce film de cape et d’épée fort divertissant emprunte à divers classiques du genre (Zorro, le Chevalier de Maison Rouge, Scaramouche). Cette production est certes mineure mais très réussie, en grande partie grâce au charme de son interprète principal, Tony Curtis. L’acteur amuse lorsqu’il joue les dandy, paradant dans des costumes tape à l’œil et courtisant la méconnue mais charmante Colleen Miller. Il se montre aussi parfaitement convaincant une épée à la main même si les scènes d’action sont parfois peu crédibles (un peu facile se dit-on). Comme souvent avec Tony Curtis, l’humour l’emporte sur l’action. Quant au scénario, il semble un peu léger à cause du manque de profondeur des personnages. Des personnages superficiels et des scènes d’actions pas assez travaillées, c’est ce qui fait la différence entre ce Cavalier au masque et un grand classique du genre comme Scaramouche.

The Purple Mask - USA (1955) de Bruce Humberstone, avec Tony Curtis, Colleen Miller, Angela Lansbury, Gene Barry.

Ne m’envoyez pas de fleurs (1964)

2011-01-14T23:22:00.008+01:00

A la suite d’un malentendu, un hypocondriaque se croit mourant. Il tente de préparer son épouse à affronter le veuvage, aidé de son meilleur ami et voisin.

Revoilà le trio Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall réunit une troisième et dernière fois, cette fois-ci devant la caméra du jeune Norman Jewison, pour l’adaptation d’une pièce de boulevard. Malheureusement, la magie n'opère pas. Difficile de ne pas voir les grosses ficelles de cette intrigue qui use et abuse du quiproquos et oblige les acteurs principaux à surjouer. Il y a bien quelques sourires mais on est loin de Confidences sur l’oreiller et Un Pyjama pour deux. Seul Paul Lynde provoque des éclats de rire, génial dans le rôle d’un concessionnaire de cimetière enthousiaste.

Send me no Flowers - USA (1964), de Norman Jewison, avec Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Paul Lynde, Hal March, Edward Andrews. (Acheter le coffret DVD de la trilogie des comédies Rock Hudson/Doris Day)

Un pyjama pour deux (1961)

2011-01-08T00:44:00.008+01:00

Jerry Webster est un publicitaire prêt à tout pour décrocher un nouveau contrat. Carol Templeton, qui travaille pour une agence concurrente, n’a jamais rencontré Webster mais est exaspérée par son absence d’éthique. Elle se met en tête de lui chiper un gros annonceur mais prend Webster pour le client en question. Sans vergogne, Webster profite de la situation.

On prend les mêmes et on recommence. Devant l’énorme succès rencontré par Confidences sur l’oreiller, Universal Studios a de nouveau réuni Rock Hudson, Doris Day et Tony Randall avec un scénario qui emprunte exactement le même canevas que celui du premier film : ils ne se sont jamais vus mais ils se détestent et lorsqu’ils se rencontrent par hasard, il se fait passer pour un autre pour la séduire. On trouve qu’Universal abuse un peu en nous resservant la copie de l’un de ses grands succès et on voudrait dire « stop ! C’est trop facile, cette fois je ne marche pas » mais on se laisse séduire une fois de plus car cette comédie romantique est irrésistible. C’est toujours aussi drôle et les comédiens, désormais bien dans la peau de leurs personnages, ont un charme fou, notamment Rock Hudson et Doris Day qui forment l’un des couples les plus convaincants des 60s.

Lover Come Back - USA (1961), de Delbert Mann, avec Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Edie Adams, Jack Oakie, Jack Kruschen. (Acheter le DVD sur Amazon)

Confidences sur l’oreiller (1959)

2011-01-01T22:37:00.007+01:00

Le compositeur Brad Allen et la décoratrice Jan Morrow ne se sont jamais vus mais ils sont en conflit permanent à propos de la ligne téléphonique qu’ils doivent partager bien malgré eux. Un jour Brad découvre que Jan est ravissante et décide de la séduire mais conscient que lui révéler son identité serait un handicap, il se fait passer pour un texan en visite à New York.

Confidences sur l’oreiller est un grand classique de la comédie romantique américaine. Le point fort est le scénario qui fut récompensé par un Oscar. L’idée est classique (ils se détestent mais ils sont faits l’un pour l’autre et vont s’aimer) mais l’histoire est prenante parce que souvent très drôle. Le fait que le personnage masculin doive se faire passer pour quelqu’un d’autre entraîne bon nombre de situations cocasses et c’est là le principal intérêt de ce film. Enfin, le dernier ingrédient magique, c’est l’alchimie qui se fait parfaitement entre les deux comédiens principaux : Rock Hudson et Doris Day, un couple a priori improbable mais qui va amuser et séduire cette Amérique qui s’apprête à entrer dans les années 60. Devant le triomphe de ce film, le duo se retrouvera pour deux autres comédies du même type. Si Doris Day semble à son aise dans un style de film qui lui convient parfaitement, Rock Hudson semble plus emprunté. Le beau géant ne semble pas fait pour la comédie. Pourtant il finit par convaincre au fur et à mesure que le film avance et finira même par s’imposer dans ce genre dans les 60s.

Pillow Talk - USA (1959) de Michael Gordon, avec Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Thelma Ritter. (Acheter le DVD sur Amazon)

Allons donc, papa (1951)

2010-12-18T13:46:00.005+01:00

Maintenant que ses enfants sont grands, Stanley Banks se sent prêt à vivre une nouvelle jeunesse et commence à faire des projets pour occuper son temps libre. Mais sa fille anéantit ses espoirs en lui annonçant qu’il va être grand père.

Ce film est la suite du succès Le Père de la mariée (1950). Toute l’équipe du film s’est donnée rendez-vous un an après pour une suite construite selon le même schéma que le premier film. Tout repose une fois de plus sur les épaules de Spencer Tracy, bon bougre qui panique à l’idée non plus de marier sa fille, mais de devenir grand-père. Cette comédie familiale est sympathique mais trop gentille, les péripéties sont attendues, et le talent comique de Spencer Tracy est très limité. Au final, Allons donc, papa est un divertissement décevant, une œuvre mineure dans la filmographie du talentueux Vincente Minnelli.

Father’s Little Didivend - USA (1951) de Vincente Minnelli, avec Spencer Tracy, Joan Bennett, Elizabeth Taylor, Don Taylor, Billie Burke, Russ Tamblyn. (Acheter le film sur Amazon)

La Momie (1932)

2010-12-13T22:09:00.009+01:00

En ouvrant un sarcophage, un égyptologue ressuscite une momie maléfique qui se met en quête de son amour perdu en attirant à lui une belle jeune femme qui semble être la réincarnation de sa bien-aimée.

La Momie ne vous fera pas pousser des cris d’effroi. Ce film a bien peu de chance d’effrayer le spectateur contemporain qui a vu bien pire même si Boris Karloff, qui joue le grand prêtre Im-Ho-Tep ressuscité, ne démérite pas avec sa tronche sinistre et son regard fixe réellement inquiétant. Alors que vaut un film d’horreur qui ne fait pas peur ? Rien si l’on recherche des sensations fortes. En revanche, les amateurs de contes morbides oniriques à la Edgar Allan Poe apprécieront ce film envoûtant qui utilise avec intelligence la très mystérieuse Égypte ancienne pour créer une atmosphère inquiétante.

The Mummy - USA (1932), de Karl Freund, avec Boris Karloff, Zita Johann, David Manners, Bramwell Fletcher, Arthur Byron, Edward Van Sloan. (Acheter le film sur Amazon)

Les Rues de feu (1984)

2010-12-04T22:12:00.010+01:00

Un groupe de bikers enlève une chanteuse en plein concert. L’impresario et amant de la chanteuse engage un ancien militaire, ancien compagnon de la chanteuse, et une baroudeuse pour la délivrer.

Avec Les Rues de feu, on sent bien que Walter Hill a tenté de réédité le coup des Guerriers de la nuit. L’histoire se déroule au début des années 60 mais le film a la même esthétique, un peu trop clinquante, propre aux vidéos clips de la première partie des années 80, avec un goût prononcé pour les scènes de ville la nuit. Quant au scénario, il est des plus légers avec des personnages jamais crédibles, interprétés par des acteurs peu convaincants à l’image de Michael Paré qui n’a ni le talent ni le charisme suffisant pour porter le film sur ses épaules. Seul le rythme et le suspense pouvait sauver ce film de la médiocrité mais hélas il n’y en a pas. Et le choix d’entrecouper le film de numéros musicaux n’arrange rien. Ce film est un ratage total.

Streets of Fire - USA (1984), de Walter Hill, avec Michael Paré, Diane Lane, Rick Moranis, Amy Madigan, Willen Dafoe, Deborah Van Valkenburgh, Richard Lawson, Rick Rossovich, Bill Paxton. (Acheter le film sur Amazon)

Les Guerriers de la nuit (1979)

2010-11-28T14:31:00.008+01:00

Les Warriors, une bande de voyous, sont accusés à tort, du meurtre du chef d’une autre bande. Toutes les bandes de New York s’unissent pour les exterminer au cours d’une folle nuit.

Le film commence par des scènes ridicules qui nuisent un peu à l’histoire. Imaginez toutes les bandes de voyous de New York qui se réunissent dans un stade pour écouter le discours d’un chef de bande, un peu gourou, qui leur propose de s’unir pour faire main basse sur la ville. Pas très crédible et surtout ridicule car chaque bande a son code vestimentaire et certaines vont vraiment pitié à voir. C’est tout simplement grotesque. Et l’esthétisme très 80s n’arrange rien. Un vrai carnaval ! Pourtant, dès que la traque commence, on est saisi par cette histoire haletante et l’on oublie tout. Les malheureux Warriors, emmenés par le séduisant Michael Beck, courent tellement que le spectateurs en est presque essoufflé. Et quand ceux-ci cessent de courir, c’est pour des scènes de bastons spectaculaires et jubilatoires.

On ne peut pas dire que Les Guerriers de la nuit soit un grand film et pourtant Walter Hill a réussi là un bon film de contre-culture, construit comme une bande dessinée. Un film qui tient la route et qui est typique d’une époque. On ne ferait plus le film de la même manière désormais, il serait mieux documenté et filmé avec un réalisme froid mais beaucoup moins divertissant.

The Warriors - USA (1979), de Walter Hill, avec Michael Beck, James Remar, Thomas Waites, Doresy Wright, Brian Tyler, Deborah Van Valkenburgh, David Patrick Kelly, Mercedes Ruehl, John Snyder. (Acheter le film sur Amazon)

Les Revenants (2004)

2010-11-21T23:04:00.007+01:00

Un jour, les morts des dix dernières années reviennent à la vie. Une municipalité doit faire face à cet afflux de population, les étudier et les réinsérer. Quant aux habitants, ils doivent se faire à l’idée que leurs morts sont de retour et apprendre à vivre avec eux. Et ce n’est pas facile car ces derniers ont un comportement très étrange...

Les morts qui reviennent à la vie par dizaines et marchent dans les rues, on a déjà vu ce genre de scène mais c’était toujours dans des films d’horreur et ces morts étaient toujours animés d’atroces intentions. Bizarre quand on y pense... C’est ce qu’a du se dire Robin Campillo, qui filme cette histoire fantastique avec réalisme. Du coup, les morts sont calmes et ne veulent de mal à personne.

Leur retour posent pourtant problème. Des problèmes sociétaux (comment retrouver leur famille ? Leur donner un toit ? Leur rendre leur travail ?) mais aussi des problèmes psychologiques pour les vivants qui voient leurs morts revenir : un parents, un enfant, ou un époux comme cela arrive à Rachel, campée par une Géraldine Pailhas très convaincante. On ressent alors un grand malaise mais aussi une inquiétude qui va crescendo car bien qu’inoffensifs, les morts inquiètent par leur comportement étrange. Pourquoi sont-ils si lents ? Pourquoi ne dorment-ils pas ? Que font-il la nuit ? Pourquoi se rassemblent-ils ? Les images glacées et la musique « lynchéenne » contribuent aussi pour beaucoup à rendre ce très bon film angoissant. Une œuvre unique et à voir.

Les Revenants - France (2004) de Robin Campillo, avec Géraldine Pailhas, Jonathan Zaccaï, Frédéric Pierrot, Victor Garrivier, Catherine Samie, Djemel Barek, Marie Matheron. (Acheter le DVD sur Amazon)

De vrais mensonges (2010)

2010-11-12T22:25:00.013+01:00

Jean travaille dans un salon de beauté. Amoureux de sa jeune patronne, il lui envoie une lettre d’amour anonyme. Celle-ci la recopie et l’envoie à sa mère pour l’aider à sortir de sa dépression.

Pierre Salvadori s’est imposé dès ses débuts comme un spécialiste de la comédie savoureuse et subtile. Avec De vrais mensonges, il réalise sans doute son meilleur film. Un film qui fait rire aux éclats grâce à une histoire bien construite, sans temps mort, autour d’une cascade de quiproquos. Le succès de cette histoire repose aussi sur ses interprètes et tout particulièrement sur Audrey Tautou. Souvent mal utilisée par le passé, l’actrice trouve dans ce film un rôle savoureux de petite peste qui lui va comme un gant. Quant à Nathalie Baye elle impressionne dans le rôle d’une femme délaissée qui courtise un malheureux homme qu’elle croit fou d’elle. Mention spéciale enfin pour Judith Chemla, hilarante dans le rôle d’une hôtesse d’accueil un peu lente et perturbée.

De vrais mensonges - France (2010) de Pierre Salvadori, avec Audrey Tautou, Nathalie Baye, Sami Bouajila, Daniel Duval, Judith Chemla.

Flic ou zombie (1987)

2010-11-06T16:05:00.007+01:00

Deux flics enquêtent sur un gang de braqueurs qui semblent immortels. Au cours d’une perquisition, l’un des flics est tué puis ramené à la vie à l’aide d’une machine. Il a douze heures pour trouver son assassin avant que son corps se décompose.

Ce film est un nanar pur et dur. Les personnages principaux sont deux flics tellement ringards que cela en est magnifique. On ne parlera pas de psychologie des personnages ici, elle est inexistante. Quant à l’histoire de zombies, elle aura du mal à convaincre qui que ce soit d’autant que le scénario est tellement navrant qu’il semble avoir été improvisé. Le seul intérêt de ce Flic ou zombie réside dans des scènes délicieusement gores durant lesquelles on voit des corps se décomposer. Le pompon revient à une scène que les plus grands surréalistes n’auraient pas renié : dans un restaurant chinois, les viandes (poulets, canards, poissons et même un porc et un bœuf) reviennent à la vie. C’est grotesque et grandiose. Une scène culte !

Dead Heat - USA (1987), de Mark Goldblatt, avec Treat Williams, Joe Piscopo, Darren McGavin, Lindsay Frost, Vincent Price. (Acheter le DVD sur Amazon)

A cause d’un assassinat (1974)

2010-10-30T22:36:00.011+02:00

Alerté par la mort de nombreux témoins de l’assassinat d’un homme politique, un journaliste enquête et découvre que la mystérieuse entreprise Parallax serait mêlée à cette affaire.

A cause d’un assassinat est un thriller paranoïaque typique du début des années 70. L’intrigue est de toute évidence inspirée par la vague d’assassinats politiques qui a marqué la fin des années 60. Et si tous ces mystérieux déséquilibrés qui ont mis fin aux jours de John et Robert Kennedy ou encore de Martin Luther King ne s’étaient pas trouvés là par hasard ? Voici l’idée sur laquelle a été basée l’intrigue, l’auteur imaginant une société recrutant des dangereux déséquilibrés pour en faire des coupables idéals. A partir du moment où l’on accepte cette idée pas très crédible mais que l’on ne peut pas totalement écarter, le film devient très prenant. Il ne s’agit pas pour autant d’un thriller haletant comme le I comme Icare de Verneuil par exemple. Pakula a choisi la froide démonstration, filmant un univers sombre et oppressant, sans vie, sans émotions. La mort semble être la seule issue de ce cauchemar. Elle hante ce film dans lequel les personnages ne sont que des abstractions, les rouages d’une machine inarrêtable.

The Parallax View – USA (1974) de Alan J. Pakula, avec Warren Beatty, Hume Cronyn, William Daniels, Paula Prentiss. (Acheter le DVD sur Amazon)

Soyez sympas, rembobinez (2007)

2010-10-22T22:13:00.014+02:00

Un homme un peu barge efface par accident toutes les cassettes du vidéo-club dans lequel travaille son ami. Les deux hommes décident de remplacer les enregistrements par leurs propres versions des films. Le succès est vite au rendez-vous.

Avec un tel sujet, on peut s’attendre au pire et c’est un peu ce à quoi on a le droit au début. L’humour lourdingue de Jack Black ne donne pas envie de continuer ni les versions que les deux compères enregistrent des grands succès du cinéma (SOS Fantômes, Rush Hour 2, Miss Daisy et son chauffeur…). C’est amusant mais on rit peu. Heureusement, Michael Gondry passe ensuite à autre chose. Les deux compères, devenus trois, décident de se lancer dans la production de leur propre film et enrôlent leurs fidèles clients pour tourner dedans. Le triste vidéo club qui permettait à chaque client de visionner un blockbuster impersonnel devient le lieu d’une aventure collective. Et la magie que le cinéma avait perdu en devenant une industrie renaît grâce à la passion de quelques amateurs unis dans ce ce projet fou. On retiendra aussi de ce film les performances des seconds rôles, Danny Glover et Mia Farrow, qui campent tout deux des personnages émouvants et attachants.

Be Kind Rewind - USA (2007), de Michael Gondry, avec Franck Black, Mos Def, Melonie Diaz, Danny Glover, Mia Farrow, Sigourney Weaver. (Acheter le film sur Amazon)

Troublez-moi ce soir (1952)

2010-10-17T23:06:00.009+02:00

Dans un grand hôtel, un homme au bord de la rupture avec son amie, rencontre une jeune babysitteuse très sexy. Il s’intéresse à elle mais la trouve vite inquiétante.

Troublez-moi ce soir, adaptation d’un roman noir de Charlotte Armstrong, offre à Marilyn Monroe un rôle intéressant, assez différent de ses rôles habituels de blondes bébêtes. L’actrice se montre plutôt convaincante, jouant très bien la folie. Hélas le film n'est pas à la hauteur de sa performance, la faute à un scénario complètement raté qui accorde à la romance sans intérêt entre Richard Widmark et Anne Bancroft autant d’importance qu’à l’intrigue principale. Ce qui aurait dû être un thriller n’est plus qu’une comédie dramatique mal foutue et sans grand intérêt, l’élément inquiétant se retrouvant au second plan. Du coup le spectateur baille plus qu’il ne tremble et ne peut qu’être déçu par un film qui ne parvient pas à tenir ses promesses.

Don’t Bother to Knock (USA - 1952), de Roy Ward Baker, avec Richard Widmark, Marilyn Monroe, Anne Bancroft, Jeanne Cagney, Elisha Cook Jr. (Acheter le DVD sur Amazon)

A

Du Rififi à Paname (1966)

2010-10-09T09:41:00.009+02:00

Un agent des services secrets américains devient l’homme de main d’un gros trafiquant français pour démanteler un trafic d’armes vers Cuba. Tout en menant son enquête, il protège son nouveau patron menacé par une bande rivale.

Du rififi à Paname, ce titre fait penser aux bons vieux polars français écrits par Michel Audiard mais le grand dialoguiste n’est pas de l’aventure, remplacé et imité par le talentueux Alphonse Boudard. Les dialogues sont plaisants mais l’histoire d’un premier abord très compliquée mais en fait assez simple n’a rien de captivant. Tout est fait pour nous faire croire à un grand film international (quelques scènes filmées à Tokyo, Londres et Munich, la présence de George Raft et de Gert Froebe) mais derrière ces artifices qui ne trompent personne, on décèle le petit produit français classique filmé sans talent par Denys de La Patellière. Tout n’est que prétexte pour nous montrer Jean Gabin faire son numéro habituel de vieux malfrat bougon. Et comme celui-ci n’est plus de la première jeunesse, on lui a mis dans les pattes un second personnage principal plus glamour et plus fougueux, le beau Claudio Brook, et l’on a rendu le produit un peu mode en y ajoutant quelques jeunes qui se déhanchent sur de la musique twist ou des strip-teaseuses qui enlèvent le haut. Un film décevant.

Du Rififi à Paname - France (1966), de Denys de La Patellière, avec Jean Gabin, Claudio Brook, Gert Froebe, Marcel Bozzuffi, George Raft, Nadja Tiller, Daniel Ceccaldi, Mireille Darc, Claude Brasseur. (Acheter le DVD sur Amazon)

Borderline (1950)

2010-10-02T00:28:00.008+02:00

Deux agents qui ne se connaissent pas infiltrent des gangs de trafiquants de drogue au Mexique. Ils font équipe pour transporter de la drogue aux États-Unis, chacun œuvrant pour piéger l’autre.

Borderline a tout pour être un film noir mais ce n’en est pas vraiment un. Il s’agit plutôt d’un film hybride qui mêle film noir et comédie romantique car les deux agents, joués par la rigolote Claire Trevor et le plus sobre Fred MacMurray, vont, on s’en doute, tomber amoureux l’un de l’autre au cours de leur aventure. Mais bien évidemment, ils se doivent de résister, chacun pensant que l’autre est un véritable contrebandier. Le fait que le réalisateur (le vétéran William A. Seiter) soit considéré comme un spécialiste de la comédie y est sans doute pour beaucoup. Reste que l’on ne tremble pas trop et que l’on ne rit pas vraiment non plus. On est donc un peu déçu de ce film qui ne satisfera ni les amateurs de comédies ni les amateurs de films noirs.

Borderline - USA (1950) de William A. Seiter, avec Claire Trevor, Fred MacMurray, Raymond Burr, José Torvay. (Acheter le DVD sur Amazon)

L’Adieu aux armes (1934)

2010-09-24T21:36:00.010+02:00

Durant la première guerre mondiale, en Italie, un américain qui sert dans l’armée italienne comme brancardier s’éprend d’une infirmière anglaise. Lorsqu’il est blessé au front, celle-ci le soigne mais une fois rétabli, la guerre les sépare.

L’Adieu aux armes est un roman magnifique qui conte l’une des plus belles histoires d’amour du XXe siècle mais cette adaptation de Frank Borzage est bien loin d’être à la hauteur du roman d’Ernest Hemingway. Le cinéaste a coupé allégrement dans l’intrigue pour réduire ce chef d'œuvre de la littérature en une simple bluette sentimentale. Exit les scènes de guerre remplacées par des plans confus pris en extérieur nuit. Exit l’haletante escapade du couple vers la Suisse. Cela ressemble à un atroce roman photo pour vielles filles, exagérément mélodramatique. Et la présence du ténébreux Gary Cooper, de la pétillante Helen Hayes et du truculent Adolphe Menjou ne suffisent pas à sauver ce film de la médiocrité.

A Farewell To Arm - USA (1934), de Frank Borzage, avec Gary Cooper, Helen Hayes, Adolphe Menjou. (Acheter le DVD sur Amazon)

Serpico (1973)

2010-09-18T00:27:00.008+02:00

Frank Serpico est un flic pas comme les autres. D’abord parce qu’il est hippie et s’intéresse à l’art mais surtout parce que contrairement à la plupart de ses collègues, il refuse de se laisser corrompre.

Avec ce film la police de New York (NYPD) en prend pour son grade. On y voit des flics violents, vulgaires et corrompus qui passent leur temps à racketter les voyous plutôt qu’à faire régner la loi. Parmi eux, Serpico refuse de participer au racket et met un point d’honneur à faire son travail correctement. Isolé, menacé par ses collègues, il résiste et décide de mettre fin à tout cela en dénonçant les agissements de ses collègues. Mais trouvera-t-il quelqu’un prêt à s’attaquer à la police ? Ce film est tiré d’une histoire vraie mais on espère que les faits ont été un peu exagérés. Cela semble un peu trop manichéen, le petit flic qui lutte seul contre toute la police et les politiques de la ville. Mais il faut se souvenir que, dans les 70s, on aimait ces films dans lesquels un héros se bat seul ou presque contre une organisation pour révéler un scandale. L’effet du Watergate sans doute. Mais que les faits aient été exagérés ou pas, Serpico est un excellent film grâce au talent de conteur de Sidney Lumet et au talent de comédien d’Al Pacino, impressionnant dans ce rôle de flic sympathique et original.

Serpico - USA (1973) de Sidney Lumet, avec Al Pacino, John Randolph, Jack Kehoe, Barbara Eda-Young, Cornelia Sharpe, Allan Rich. (Acheter le DVD sur Amazon)

A propos d’hier soir (1986)

2010-09-11T10:43:00.007+02:00

Danny et Debbie se rencontrent dans un pub et passent la nuit ensemble. Ils décident de se revoir mais leurs confidents respectifs n’apprécient guère et tentent de les dissuader.

Ils sont jeunes, ils sont beaux, ils se rencontrent, ils s’aiment puis décident de vivre ensemble et là, très vite, les premiers nuages arrivent. Pas facile de tout partager et de renoncer à sa liberté ni de s’engager pour la vie. Le sujet est banal mais pas si souvent traité. Et cette adaptation d’une œuvre de David Mamet tient bien la route malgré une mise en scène quelconque. Le point fort du film, ce sont les personnages, vrais, qui rendent cette histoire d’amour des 80s plaisante et même prenante.

Rob Lowe et Demi Moore avait déjà partagé l’affiche de St. Elmo’s Fire un an plus tôt. Ils forment un couple idéal. A leurs côtés, James Belushi et Elizabeth Perkins s’en donnent à cœur joie, tirant le film vers la comédie à chacune de leurs scènes. Il manque à A propos d’hier soir un petit plus qui en ferait une grande comédie romantique mais c’est assurément un bon petit film.

About last night… - USA (1986), de Edward Zwick, avec Rob Lowe, Demi Moore, James Belushi, Elizabeth Perkins, Rosanna DeSoto.

St. Elmo’s Fire (1985)

2010-09-04T13:37:00.010+02:00

Un groupe d’amis fraîchement sortis de l’université a bien du mal à entrer dans la vie adulte. Tous ou presque semblent chercher un sens à leur vie et hésitent à s’engager sentimentalement et professionnellement.

Ce film sur une bande de copains fonctionne parfaitement. Joel Schumacher qui a réalisé le film et co-écrit le scénario semble avoir mis beaucoup de lui-même dans ce projet. Il a su créer des personnages crédibles et attachants dont on suit l’apprentissage avec plaisir. Un plaisir que ne partageaient pas les critiques de l’époque choqués par ces enfants gâtés, puérils et égocentriques. Il est vrai que ces personnages semblent parfois sortir d’un roman de Bret Easton Ellis mais quoi d’étonnant à cela, il s’agit d’un film des années 80, les années Yuppies. Aujourd’hui, ce film est intéressant car très représentatif de cette époque et il traite d’un thème, l’entrée dans la vie adulte (le couple, le travail, la politique), riche mais bizarrement sous exploité par Hollywood. L’autre intérêt du film est que Joel Schumacher ait su réunir un groupe de jeunes comédiens talentueux, Rob Lowe et Demi Moore en tête. L’alchimie entre eux est parfaite et quand le générique de fin arrive on espère une suite, un film qui nous raconte ce qu‘ils sont devenus, plus de vingt après.

St. Elmo’s Fire - USA (1985), de Joel Schumacher, Rob Lowe, Demi Moore, Andrew McCarthy, Judd Nelson, Ally Sheedy, Emilio Estevez, Mare Winningham, Martin Balsam, Andie McDowell.

Les Feux de la nuit (1988)

2010-08-29T09:54:00.011+02:00

Jeune employé dans un quotidien new-yorkais, Jamie Conway vient d’être largué par son épouse. Il passe ses soirées et ses nuits dans les boites de la ville et sniffe de la cocaïne nuit et jour alors que sa vie s’écroule.

Adapté le roman Bright Light, Big City n’est pas simple. Le réalisateur James Bridges s’y est cassé les dents même s’il avait confié le script à Jay McInerney, l'auteur du roman. Pourquoi un tel échec ? D’abord à cause du scénario défaillant qui ne parvient pas à instaurer l'ombre d'un suspense et à des personnages secondaires inexistants. La mise en scène est elle aussi coupable. Une mise en scène nerveuse et audacieuse comme celle de Roger Avary qui a su adapter l’inadaptable Les Lois de l’attraction avec succès aurait été plus adaptée à cette histoire que la mise en scène gentillette de James Bridges, digne d’un vulgaire téléfilm. Enfin on a beau aimer Michael J. Fox, force est de constater qu’il ne parvient pas à convaincre dans ce rôle de looser accroc à la coke. Les acteurs de comédies peuvent se révéler extraordinaires lorsqu’ils sont utilisés à contre-emploi dans des rôles dramatiques mais dans le cas des Feux de la nuit, c’est un fiasco. Concernant les autres comédiens, difficile de rendre compte de leur performance tant leurs personnages sont négligés et donc transparents. Dommage pour Kiefer Sutherland, Phoebe Cates et Dianne West. Seule la bande-son signée Donald Fagen est à la hauteur.

Bright Light, Big City - USA (1988) de James Bridges, avec Michael J. Fox, Kiefer Sutherland, Phoebe Cates, Dianne West.

La Balance (1982)

2010-08-22T21:44:00.009+02:00

Après l’assassinat de son principal indic, l’inspecteur Palouzi et ses coéquipiers sont décidés à faire tomber une fois pour toute Roger Massina, le caïd local. Pour cela ils partent à la recherche d’une nouvelle balance et leur choix se porte sur Dédé, un gangster sur le déclin et sa compagne, Nicole, prostituée.

La Balance, César du meilleur film en 1983, est le grand polar français des années 80. Un film que l’on peut voir et revoir sans se lasser. Tout marche parfaitement : une intrigue bien ficelée, des personnages crédibles parfaitement interprétés, des seconds rôles attachants et en plus de l’action, de la vraie, à l’américaine. Les bandits sont abjects mais certains d’entre eux sont attendrissant comme le malheureux Dédé, interprété par Philippe Léotard qui a obtenu le César du meilleur acteur pour ce film. Sa touchante histoire d’amour avec Nicole (Nathalie Baye, César de la meilleure actrice pour ce rôle), une prostituée, est au cœur du film. Les personnages de flics, bien qu’au premier plan, sont secondaires dans la mesure où leurs personnages ne sont pas développés. Ils sont donc un peu caricaturaux mais séduisants, notamment Richard Berry en flic cool mais prêt à tout pour parvenir à ses fins, et son acolyte Christophe Malavoy. Mais le personnage principal de ce film, c’est peut être tout simplement Paris et notamment le quartier de Belleville et ses taudis malfamés. Un Paris filmé au début des années 80. Une autre époque.

La Balance - France (1982), de Bob Swaim, avec Nathalie Baye, Philippe Léotard, Richard Berry, Maurice Ronet, Christophe Malavoy, Tcheky Karyo, Bernard Freyd, Florent Pagny.

Alma (2004)

2010-08-18T22:06:00.007+02:00

Alma, jeune femme issue de la bourgeoisie viennoise, épouse le compositeur et chef d’orchestre Gustav Malher avec qui elle fonde une famille. Mais elle s’éprend d’un autre homme...

Alma Malher était parait-il une femme remarquable. Le problème, c’est qu’il est bien difficile de comprendre pourquoi en regardant ce film. On y voit une belle femme qui passe d’un homme à l’autre. Certes ces hommes sont des célébrités (Klimt, Malher, Kokoschka… ) mais n’a-t-elle rien fait de plus admirable dans sa vie ? Bruce Beresford, qui est capable de mieux (Son alibi, Miss Daisy et son chauffeur), filme une succession de tableaux, qui représentent les différents moments clés de la vie de cette femme mais qui sont censés aussi rendre compte de Vienne et de sa vie artistique à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Malheureusement tout cela est filmé sans passion, avec peu de moyens et des images soignées qui semblent faites pour la télévision. En fait, tout semble bien artificiel à commencer par le jeu des comédiens et on n’y croit pas une seul seconde.

Bride of the Wind - Grande-Bretagne (2004), de Bruce Beresford, avec Sarah Wynter, Jonathan Pryce, Vincent Perez, Simon Verhoeven.

L’Homme de la tour Eiffel (1949)

2010-07-23T22:43:00.006+02:00

Un jeune bourgeois américain commandite l’assassinat de sa tante afin de toucher un héritage qu’il attend avec impatience. Maigret ne tarde pas à démasquer l’assassin qui joue avec le commissaire, persuadé que ce dernier ne pourra jamais prouver sa culpabilité.

Ce Maigret « made in USA », adapté du roman La Tête d’un homme, est fort décevant. Mais est-ce une surprise ? Le film a beau avoir été tourné à Paris, le metteur en scène et comédien Burgess Meredith n’a pas su utiliser la ville comme il aurait fallu, n’en montrant qu’une image d’Epinal, un Paris de carte postale bien éloigné du Paris quotidien des romans de Georges Simenon. Quant aux personnages et à leur psychologie, le point fort des roman de Simenon, ils sont rapidement survolés. Reste une intrigue peu captivante, une mise en scène mollassonne qui frise l’amateurisme et des comédiens sans charisme à l’exception du grand Charles Laughton hélas guère convainquant dans le rôle de Maigret.

The Man on the Eiffel Tower - USA (1949) de Burgess Meredith, avec Charles Laughton, Franchot Tone, Burgess Meredith, Robert Hutton, Jean Wallace, Patricia Roc.

La Femme en vert (1945)

2010-07-19T22:06:00.006+02:00

A Londres, des jeunes femmes sont assassinées et l’un de leur doigt est systématiquement sectionné. Scotland Yard fait appel à Sherlock Holmes pour mettre un terme à ces crimes.

Cette énigme est un peu décevante. On comprend très vite que l’on n’a pas à faire à un serial killer mais à une organisation criminelle menée par le brillant professeur Moriarty, ennemi juré de Sherlock Holmes. Mais cette ambiance mystérieuse et inquiétante sur fond d’hypnose a du charme tout comme la complice du Dr. Moriarty, une blonde fatale interprétée par Hillary Brooke. Difficile de ne pas être charmé. Et comme à son habitude, Basil Rathbone campe Sherlock Holmes à la perfection. On jurerait que le personnage de Sir Arthur Conan Doyle a été créé pour lui.

The Woman in Green - USA (1945), de Roy William Neill, avec Basil Rathbone, Nigel Bruce, Hillary Brooke, Henry Daniell, Paul Cavanagh, Matthew Boulton.

Le Train de la mort (1946)

2010-07-14T00:18:00.006+02:00

Sherlock Holmes et le docteur Watson sont engagés pour assurer la sécurité d’un diamant de grande valeur à bord d’un train. Mais cela n’empêche pas leur client d’être assassiné et le diamant d’être volé. Holmes part à la recherche du coupable.

Ce court film (une heure pile) est brillant car aucune scène n’est superflue. Tout est fait pour servir une énigme bien ficelée mettant en scène de nombreux suspects : les quelques passagers à bord de la voiture sont tous suspects et ce sont tous des personnages savoureux ou intrigants. Parmi eux, on remarquera la ravissante Renee Godfrey qui aurait méritée une plus belle carrière. Et c’est évidemment un plaisir de voir le légendaire Sherlock Holmes mener cette enquête, assisté par le Dr. Watson et l’inspecteur Lestrade, deux enquêteurs peu doués. Le fameux détective privé est interprété avec savoir-faire par Basil Rathbone, un habitué du rôle, qui colle parfaitement au personnage de Sir Arthur Conan Doyle. C’est sans doute aussi pour cette raison que le film fonctionne si bien.

Terror by night - USA (1946) de Roy William Neill, avec Basil Rathbone, Nigel Bruce, Alan Mowbray, Dennis Hoey, Renee Godfrey, Mary Forbes.

Gung Ho (1943)

2010-07-05T21:27:00.006+02:00

A la suite de l’attaque de Pearl Harbour, le colonel Thorwald (Randolph Scott) forme un bataillon d’élite pour prendre l’île Makin, tombée aux mains des Japonais.

Réalisé en pleine seconde guerre mondiale, ce film est de toute évidence destiné à glorifier l’action de l’armée américaine et à gonfler le moral des troupes. Film de propagande donc mais très bon film de guerre, classique dans sa structure. La première partie décrit le recrutement et la formation des soldats destinés au bataillon d’élite. On fait connaissance avec les personnages principaux et l’humour est de mise. La seconde partie est consacrée à la mission. La tension y est palpable du début à la fin et les combats sont remarquablement filmés et souvent très crédibles. Côté casting, personne pour faire contrepoids à la star du film, Randolph Scott, parfait dans le rôle principal, alors que, parmi ses hommes, on remarque un Robert Mitchum débutant mais déjà très charismatique.

Gung Ho - USA (1943), de Ray Enright, avec Randolph Scott, Alan Curtis, Noah Beery Jr, J. Carrol Naish, Sam Levene, David Bruce, Richard Lane, Robert Mitchum, Grace McDonald.

Un million d’années avant J.C. (1966)

2010-06-28T00:22:00.008+02:00

A l’époque de la préhistoire, Tumac, un solide guerrier est chassé de sa tribu par le cruel Sakana (c’est drôle, ça veut dire poisson en japonais). Il erre jusqu’à rencontrer une autre tribu plus civilisée dans laquelle vit la belle Loana.

Regarder un film sur la préhistoire demande toujours un grand effort car il faut accepter de voir des individus hirsutes pousser des grognements pendant 1h30. Si le film est bon, cela peut valoir le coup hélas Un million d’années avant J.C. est un nanar comme la Hammer en a fait beaucoup avec un scénario bâclé. On se contentera de savourer les effets spéciaux de Ray Harryhausen qui ont dû faire forte impression à l’époque et à qui l’ont peut trouver une certaine poésie désormais. On savourera aussi Raquel Welch, charmante pin-up préhistorique, bien maquillée, les cheveux soyeux, le brushing impeccable et portant une petite tenue en peau qui met parfaitement en valeur ses jolis seins. Le spectateur apprécie mais pas sûr que la spectatrice apprécie son homme, le vaillant Tumac joué par John Richardson. Le teint halé, les dents d’une blancheur éclatante, une belle crinière et une barbe pas trop négligé font qu’il rappelle parfois Barry Gibb. Du coup, on s’attend un peu à le voir chanter « Stayin’ Alive ». Il pourrait car il n’est pas facile de survivre aux attaques des dinosaures et des animaux géants (caméléon, araignée, tortue).

On n’apprendra pas grand-chose de ce film si ce n’est que les blonds sont plus civilisés et plus ingénieux que les bruns. Ainsi la tribu de Tumac, dans laquelle tout le monde est brun, est violente et peu évoluée alors que la tribu de Loana, où tous sont blonds, évite la violence, aime s’amuser et pratique l’agriculture, la pêche ou encore la couture.

One million year B.C. - Grande-Bretagne (1966) de Don Chaffey, avec John Richardson, Raquel Welch, Percy Herbert, Martine Beswick.

Les Marmottes (1993)

2010-06-12T19:18:00.007+02:00

Une grande famille se retrouve dans un chalet pour les fêtes de fin d’année : trois générations de couples solidaires malgré les problèmes et les disputes.

Elie Chouraqui qui fut l’assistant de Claude Lelouch s’amuse à faire du Lelouch. Mais pas du grand Lelouch. Du petit Lelouch sympathique mais qui manquerait d’ambition et de profondeur. Le film rassemble plusieurs couples, tous très sympathiques, mais qui sont en crise. Hélas on a trop souvent l’impression de suivre les aventures de personnages et non pas de véritables personnes. Contrairement à son maître, Chouraqui ne parvient pas à créer des personnages crédibles. Pourtant les nombreux comédiens de ce film, souvent très talentueux, ne déméritent pas à commencer par André Dussolier et Gérard Lanvin. Le problème vient plutôt du scénario. Tout semble trop écrit et trop beau aussi, car le cinéaste et sa scénariste Danièle Thomson ont concocté pour chacun des couples un happy end. Pas de problème, tout est bien qui finit bien, ce n’est que du cinéma !

Les Marmottes - France (1993), d’Elie Chouraqui, avec Gérard Lanvin, André Dussolier, Jean-Hugues Anglade, Jacqueline Bisset, Christine Boisson, Marie Trintignant, Christopher Thomson, Virginie Ledoyen, Anne Roussel, Anouk Aimée, Daniel Gélin.

Melancoly Baby (1979)

2010-06-08T21:49:00.004+02:00

Une jeune bourgeoise s’ennuie dans sa vaste demeure en Suisse. Elle profite d’un voyage d’affaires de son mari pour rencontrer d’autres hommes.

Melancoly Baby est un film qui n’avance pas. Il ne s’y passe pas grand chose et la jeune femme au centre de l’histoire n’évolue pas. Ce film contemplatif, parfois trop verbeux, est d’un ennui mortel, les dialogues sont plats et inintéressants, les personnages sont peu crédibles et la mise en scène est médiocre. N’ayons pas peur de le dire, tout est raté. Ce film d’auteur est vide et le manque d’inspiration des scénaristes et de la réalisatrice est criant. Dans ces conditions, qu’importe la qualité et le charme des comédiens, ils ne peuvent rien pour sauver ce film. La seule réussite de Clarisse Gabus est de faire partager au spectateur l’ennui éprouvé par son héroïne.

Melancoly baby – France, Belgique, Suisse (1979) de Clarisse Gabus, avec Jane Birkin, François Beukelaers, Jean-Louis Trintignant, Jean-Luc Bideau.

Prostitution (1975)

2010-05-20T18:17:00.006+02:00

Ce documentaire part à la rencontre des prostituées parisiennes, les fait parler d’elles, de leur histoire, de leur travail, de leurs peines. Il s’intéresse également à leurs revendications exprimées lors d’un meeting à la Mutualité à Paris.

Dans ce documentaire, plusieurs prostituées racontent leur quotidien, leurs passes, mais aussi comment et pourquoi elles ont commencé le métier (ce sont souvent des femmes abandonnées et sans ressources). Elle évoquent aussi leurs relations avec la police, les proxénètes, les féministes. Certaines semblent bien le vivre, d’autres sont de toute évidence mal dans leur peau. Les conversations sont très spontanées et se font souvent autour d’un verre. Cela permet une grande franchise comme dans ce passage où elles expliquent ne pas accepter de clients arabes, noirs ou portugais ou lorsqu’elles décrivent, le plus souvent en riant, les demandes les plus bizarres qui leur aient été faites. Parmi les autres scènes intéressantes, celle dans laquelle une prostituée discute de son métier avec des ouvrières dans un atelier de confection ou le meeting, très médiatique, organisé par les associations de prostituées à la Mutualité. Le film comporte aussi quelques reconstitutions (la passe standard, la rafle policière, la prostituée qui refuse un client arabe, la passe qui tourne mal) qui n’apportent pas grand-chose.

Certes, on apprend peu de ce documentaire qui aborde en vrac les différentes problématiques de la prostitution mais on éprouve un grand plaisir à écouter ces femmes, intéressantes et parfois émouvantes, parler de leur métier et de leur vie. On appréciera particulièrement le charme de Claude Janna, qui tournera par la suite dans des films pornographiques, et le discours passionnant de Grisélidis Réal, prostituée mais aussi peintre et écrivain. En leur donnant la parole et en les laissant parler librement, Jean-François Davy a signé un document sociologique d’un intérêt évident, sur une superbe musique mélancolique d’Alan Reeves qui rappelle les mélodies de Francis Lai.

Prostitution - France (1975), de Jean-François Davy.

La Grosse magouille (1980)

2010-05-19T18:55:00.005+02:00

Les employés d’un magasin de voitures d’occasion regorgent d’inventivité et de filouterie pour résister à la concurrence de leur ignoble rival, installé sur le trottoir d’en face.

Produit par Steven Spielberg, ce film de jeunesse de Robert Zemeckis rappelle les petites productions pour drive-in de Roger Corman. Autant dire que cette comédie farfelue ne vole pas bien haut et n’a pour but que de divertir le spectateur en lui offrant humour lourdingue, cascades en voitures, et quelques (rares) filles dénudées. Bien sûr, on pourrait facilement y voir une critique de la société de consommation américaine puisque le film dresse un portrait d’une Amérique corrompue et malhonnête où tout les coups sont permis pour parvenir à ses fins : vendre. Mais il serait exagéré de prêter de telles intentions à ce simple divertissement.

Le principal intérêt de ce film vient de Kurt Russell qui se retrouve en tête d’affiche pour la première fois et cela dans un rôle comique, ce qui est assez inhabituel. Il n’est d’ailleurs pas très convainquant dans ce registre.

Used Cars - USA (1980), de Robert Zemeckis, avec Kurt Russell, Jack Warden, Gerrit Graham, Frank McRae, Deborah Harmon, Joe Flaherty, Michael Talbott.

Les Hommes du président (1976)

2010-05-18T19:53:00.008+02:00

Deux jeunes journalistes enquêtent sur le cambriolage d’un local du parti démocrate. Il semblerait que les donneurs d’ordre travaillent à la Maison Blanche.

Les Hommes du président n’est pas à proprement parlé un film sur le Watergate mais plutôt un film sur l’enquête de deux petits journalistes qui finira par aboutir à la démission du président des États-Unis. Pour filmer cette histoire très peu cinématographique puisque dénuée d’action, le réalisateur a misé sur le contraste entre les deux personnages principaux, interprétés par Dustin Hoffman et Robert Redford, également producteur du film. Il a aussi donné de la complexité à ses plans en attachant une grande importance aux arrière-plans et filmé les scènes d’extérieur de manière à les rendre angoissantes : on a l’impression que les deux journalistes sont suivis, épiés, voire même menacés. On retrouve dans ce film de très bons acteurs à commencer par Jason Robarts qui campe avec brio le rédacteur en chef du Washington Post, le quotidien pour lequel travaillent les deux personnages principaux.

All the President’s Men - USA (1976), de Alan J. Pakula, avec Robert Redford, Dustin Hoffman, Jack Warden, Martin Balsam, Hal Holbrook, Jason Robarts, Jane Alexander, Meredith Baxter, Ned Beatty, F. Murray Abraham.

Saw (2004)

2010-05-17T21:52:00.005+02:00

Deux hommes sont enfermés dans une pièce avec l’obligation de s’entretuer pour s’en sortir, telle est la dernière trouvaille de celui que l’on surnomme Jigsaw, le tueur au puzzle. Leur vie dépend d’un vieux flic qui traque sans relâche ce terrible serial killer.

Ce film du réalisateur James Wan est un thriller diablement efficace et sans temps mort, qui parvient à scotcher le spectateur à son écran du début à la fin. Un bel exercice de style qui rappelle parfois Se7en puisque dans ces deux films très nerveux, le méchant est un serial killer à l’esprit ludique (dans Saw, le tueur fabrique des casse-têtes grandeur nature dans lesquels il enferme ses malheureuses victimes). Mais le problème de Saw, c’est que si l’on y réfléchit bien, l’intrigue n’est guère crédible et la peur et la violence y sont totalement gratuites au point que l’on peut vite être dégouté par cette entreprise quelque peu malsaine. On peut également regretter la faiblesse du scénario en ce qui concerne l’enquête policière et le manque de consistance du personnage de flic interprété par Danny Glover. Cette partie de l’histoire qui semble bâclée ou trop coupée au montage était-elle bien utile ? Tout cela montre bien que Saw est un bon divertissement (pour les amateurs du genre) mais rien de plus.

Saw - USA (2004), de James Wan, avec Leigh Whannell, Cary Elwes, Danny Glover, Shawnee Smith, Ken Leung, Dina Meyer, Mike Butters, Michael Emerson.

Junior Bonner (1972)

2010-05-16T11:57:00.006+02:00

Un cowboy est de retour dans sa ville natale le temps d’un rodéo. Il y retrouve ses parents et son frère, un arriviste dont les affaires marchent très bien et qui veut le convaincre de mettre un terme à ses activités.

Junior Bonner est un western moderne avec des cowboys qui ne jouent plus avec des armes à feu mais qui ont conservé leurs autres habitudes : rodéos et bagarres de saloon. Le personnage principal est un cowboy qui refuse de changer de vie malgré sa pauvreté et la dangerosité de son métier. Il préfère marcher dans les pas de son père et de ses ancêtres, quitte à être considéré comme un looser aux yeux de son frère, un homme d’affaires avide qui tourne le dos aux valeurs de sa famille et fait main basse sur les biens des siens pour s’enrichir. Ce film, qui tenait sans doute beaucoup à cœur à Steve McQueen, est un film sur la fin d’une époque, le renoncement à des valeurs qui ont fait l'histoire du pays, la perte d’identité d’un peuple, le tout presque filmé à la manière d’un documentaire. Hélas, le scénario manque singulièrement de consistance. Dénué de temps forts, le film est ennuyeux et l’on ne s’intéresse guère aux personnages, trop stéréotypés.

Junior Bonner - USA (1972), de Sam Peckinpah, avec Steve McQueen, Robert Preston, Ida Lupino, Ben Johnson, Barbara Leigh.

Voyage en Italie (1954)

2010-05-16T01:03:00.005+02:00

Un couple britannique se rend dans le sud de l’Italie le temps de vendre la propriété d’un oncle décédé. Il réalise dès le début du séjour qu’ils ne sont pas faits l’un pour l’autre et profitent de Naples et de ses alentours séparément.

L’idée était bonne de mettre en scène un couple qui se défait lors d’un voyage mais Roberto Rossellini n’a sans doute pas été assez audacieux, ce qui nuit à la crédibilité de l’histoire. Ainsi quand Monsieur part en goguette à Capri, il garde suffisamment de sang froid pour ne pas tromper son épouse. Quant à Madame, elle est d’un ennui mortel. Et quel ennui de la suivre dans ses visites des monuments de la région ! L’aspect documentaire du film prend alors le pas sur la fiction et sur l’intrigue, finalement presque inexistante. En fait, l’ennui est tel et les personnages sont si peu intéressants que le film perd rapidement tout intérêt.

Viaggio in Italia - Italie (1954), de Roberto Rossellini, avec Ingrid Bergman, George Sanders.

Casino Royale (2006)

2010-05-14T19:54:00.005+02:00

L’agent secret James Bond traque le Chiffre, un dangereux ennemi de l’Etat en manque de fonds. Le Chiffre a l’intention de parvenir à ses fins en remportant une partie de poker. Bond doit l’en empêcher.

Un James Bond un peu mièvre, des films souvent médiocres, l’ère Brosnan fut bien décevante. Ce Casino Royale devait donc nous ramener le vrai James Bond. Et effectivement, on voit qu’un effort a été fait avec le recrutement de Paul Haggis, scénariste de talent (Crash, Million Dollar Baby), qui crée un univers sombre et violent, et le choix d’un acteur (Daniel Craig) bien décidé à refaire de James Bond un personnage ambigu.

Seulement voilà ça ne prend pas. D’abord ce James Bond là est certes une belle brute mais il manque d’humour, de charme, de glamour. Les femmes ne l’intéressent guère, il n’hésite d’ailleurs pas à interrompre l’un de ses rares coïts pour partir à la poursuite de son ennemi. Il préfère l’action, la bagarre, et il va être servi. Le spectateur aussi avec une première scène qui relève presque du jeu vidéo dans laquelle James Bond poursuit un homme à pied, courant et bondissant tel un yamakasi. On se demande presque si ce n’est pas une machine, un cyborg, tant de tels exploits sportifs laissent incrédule. Et malgré tout cela on s’ennuie. L’intrigue un peu trop compliquée et des retournements de situations beaucoup trop nombreux (ce film ne finira-t-il donc jamais !) perdent le spectateur qui sort de la projection hagard, déboussolé mais absolument pas séduit.

Casino Royale - USA, Grande-Bretagne (2006), de Martin Campbell, avec Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Judi Dench, Jeffrey Wright, Giancarlo Giannini, Isaach de Bankolé, Ivana Milicevic.

Gran Torino (2008)

2010-05-14T19:49:00.004+02:00

Un vieux veuf raciste, hanté par ses souvenirs de la guerre de Corée, apprend à connaître ses voisins asiatiques, s’y attache et les défend contre le gang qui les tourmente.

Un vieil homme bougon qui s’attache à un enfant et s’ouvre à la vie, un justicier solitaire qui vient en aide à de pauvres bougres sans défense… on a déjà vu cela bien souvent. Mais cette version d’une histoire que l’on peut sans crainte qualifier d’éculée est parfaitement réussie. On ne peut qu’être ému par ce portrait d’un vieil homme au grand cœur, aigri, et par son soudain retour à la vie grâce à l’amitié qu’il noue avec ses jeunes voisins. On apprécie aussi le soin minutieux avec lequel Clint Eastwood peint ses personnages et l’humour pudique qu’il distille tout au long de ce film, souvent nerveux et sombre. Au fond, il ne manque pas grand chose pour que Gran Torino soit un grand film. Sans doute est-ce cette histoire de gang, ce côté western moderne, qui est de trop.

Gran Torino - USA (2008), de Clint Eastwood, avec Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, John Carroll Lynch.

Mamma Mia ! (2008)

2010-05-14T19:44:00.005+02:00

Sophie vit avec sa mère sur une île grecque. Elle n’a jamais connu son père et cela l’obsède. Pour son mariage, elle invite trois anciens amants de sa mère, sachant que l’un d’eux est forcément son père.

Mamma Mia ! est une comédie musicale finalement assez classique puisqu’elle reprend les ficelles du genre : une histoire abracadabrante, un scénario léger et cousu de fil blanc, un décor en carton pâte, des personnages stéréotypés, de l’humour, de la danse et une musique entraînante. La musique justement, élément central du film, est constituée par les plus grands succès du groupe ABBA. Des chansons ultra mélodiques que tous le monde connaît et qui semblent faites pour un tel spectacle. On regrettera par contre que les chorégraphies soient relayées au second plan. On pouvait espérer mieux d’un film Hollywoodien.

Côté casting c’est une grosse surprise de retrouver Meryl Streep dans un film de ce genre. L’actrice se débrouille très bien contrairement à son partenaire Pierce Brosnan qui beugle plus qu’il ne chante. On ne lui en veut pas pour autant car avec ses deux compères Colin Firth et Stellan Skarsgard, ils forment un trio attendrissant. C’est plaisant mais le succès phénoménal obtenu par ce film dans certains pays, en Grande-Bretagne notamment, laisse perplexe.

Mamma Mia! - USA (2008) de Phyllida Lloyd, avec Amanda Seyfried, Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgard.

Good Morning England (2009)

2010-05-14T10:23:00.010+02:00

Angleterre, années 60. Un adolescent vient séjourner sur le bateau d’une station de radio pirate. Sur fond de standards pop/rock, il y découvre l’amour, l’amitié et la liberté alors que l’existence de la station pirate est menacée par le gouvernement britannique.

Il fallait un film pour conter l’histoire héroïque de ces radios pirates qui ont fait découvrir la musique pop/rock à la Grande-Bretagne et à de nombreux autres pays européens dans les années 60-70. Richard Curtis (Love actually), talentueux scénariste et réalisateur, l’a fait avec ce film d’apprentissage délicieusement nostalgique et euphorisant, et surtout très bien écrit. L’histoire de cet adolescent qui devient un homme sur ce bateau et celle du combat que se livrent autorités et radios pirates servent de prétexte à Curtis pour raconter l’histoire des radios pirates et dresser le portrait des différents D.J. de la station. Ce sont eux les personnages principaux de ce film, ces hommes d’une autre époque qui vivaient et exerçaient leur métier librement en refusant toute compromission. Pour leur donner vie, une formidable brochette de comédiens britanniques (Rhys Ifans, Bill Nighy, Nick Frost…), le néo-zélandais Rhys Darby et le toujours excellent Philip Seymour Hoffman. Un petit clin d’œil aussi au méchant du film, Kenneth Branagh, très amusant dans le rôle d’un ministre ignoble et grossier qui semble tout droit sorti d’un cartoon. Enfin, impossible de ne pas dire un mot de l’excellente bande-son de ce film : de la dynamite !

The Boat That Rocked - USA (2009), de Richard Curtis, avec Chris O’Dowd, Philip Seymour Hoffman, Rhys Ifans, Bill Nighy, Nick Frost, Kenneth Branagh, Jack Davenport, Rhys Darby, Talulah Riley, Emma Thomson.

The Reader (2008)

2010-05-13T23:51:00.009+02:00

Dans l’Allemagne d’après-guerre, un adolescent bourgeois découvre l’amour dans les bras d’une femme un peu frustre et de condition modeste. Quelques années après la fin de leur liaison, il la retrouve sur le banc des accusés où elle est jugée pour des crimes nazis.

Cette adaptation du magnifique roman de Bernard Schlink est une vraie réussite. Son réalisateur Stephen Daldry (Billy Elliott, The Hours) a parfaitement su traduire en images cette histoire d’amour belle, sensuelle et à mille lieues des romances habituelles. Tout d’abord parce qu’il est rare de voir un film dans lequel un homme jeune tombe sous le charme d’une femme plus âgée et surtout sans une once de sophistication. Ensuite, parce que la découverte soudaine du passé effroyable de cette ancienne amante donne à cette histoire d’amour simple une impressionnante profondeur. Le film aborde alors le thème de la culpabilité de ces employés nazis qui ont participé aux crimes de guerre en obéissant aux ordres reçus. Sont-ils coupables ? Que pouvaient-ils faire d’autre qu’obéir ? Et plus intéressant, il se pose aussi la question de savoir si l’on peut continuer à aimer une personne après avoir découvert qu’elle a commis ce genre de crime. Kate Winslet sur qui repose tout le film est absolument fabuleuse dans ce rôle qui lui a valu un Oscar. On reprochera juste à ce film une américanisation de l'intrigue qui nuit un peu au réalisme : pourquoi ces personnages allemands lisent-ils et écrivent-ils en anglais ? On comprend bien qu’ils parlent anglais puisqu’il s’agit d’un film américain mais un minimum d’allemand pour ces passages sans importance pour la compréhension de l’histoire aurait été plus judicieux.

The Reader - USA, Allemagne (2008), de Stephen Daldry, avec Kate Winslet, Ralph Fiennes, David Kross, Bruno Ganz, Jeanette Hain.

Le Grand McLintock (1963)

2010-05-13T10:49:00.008+02:00

McLintock, un riche éleveur de bétail dans un territoire sauvage du far-west, voit sa vie bouleversée par le retour de son épouse, une furie, revenue pour réclamer le divorce et la garde de leur fille.

Ce western peu connu de John Wayne est une comédie familiale, une sorte de Mégère apprivoisée de l’Ouest. John Wayne y est très mal à l’aise. Imaginez un peu, on lui a demandé de jouer son personnage de cowboy habituel mais il n’a pas à se servir de son arme. Il y a bien un politicien très antipathique, quelques vieux guerriers indiens, et un rodéo, mais tout cela fait partie du décor. Le seul adversaire de John Wayne, c’est la ravissante Maureen O’Hara, une épouse caractérielle qui lui rend la vie impossible. Le pauvre John Wayne doit donc faire rire et ça n’est pas dans ses cordes. Il joue souvent horriblement faux et le scénario navrant ne l’aide pas. Les personnages ont l’air d’avoir été créés par un enfant de sept ans tant ils sont superficiels et stéréotypés. Pas de chance pour Maureen O’Hara qui se donne beaucoup de mal et pour les autres comédiens dont les personnages ont un rôle purement décoratif.

Après deux longues heures de péripéties inintéressantes et inutiles, le film se conclut non pas par un duel comme aurait pu l’espérer John Wayne ou tout spectateur à la recherche d’un peu d’émotion, mais sur une longue poursuite à travers les rues de la ville. McLintock court après son épouse, qui finit la scène en sous-vêtements, et la fesse avec une poêle à frire sous les hourras approbateurs des villageois. Une fin qui ravira les féministes qui ne devaient de toute manière pas placer beaucoup d’espoir en John Wayne...

McLintock! - USA (1963), de Andrew V. McLaglen, avec John Wayne, Maureen O’Hara, Patrick Wayne, Stefanie Powers, Yvonne de Carlo, Chill Wills, Bruce Cabot.

Stand By Me (1986)

2010-05-13T10:38:00.008+02:00

Un romancier se souvient d’un été où, enfant, il était parti en expédition avec trois amis pour retrouver le cadavre de la malheureuse victime d'un accident.

Avec cette fidèle adaptation d’une longue nouvelle de Stephen King, Rob Reiner se souvient de l’Amérique de sa jeunesse, celle du tout début des années 60. Mais c’est surtout les amitiés fortes, propres à cette période de la vie où l’on quitte l’enfance pour entrer doucement dans l’adolescence, que le cinéaste dépeint. Une peinture réussie grâce à la parfaite alchimie qui s’opèrent entre les quatre jeunes acteurs de ce film. Tous sont talentueux et ont poursuivi leur carrière de comédien après ce film mais on est surtout marqué par River Phoenix qui possédait déjà à 15 ans un charisme rare.

L'histoire est simple et belle et certaines scènes sont presque devenues cultes (les enfants qui courent sur un pont pour échapper au train, la marre aux sangsues, l'histoire du concours de bouffeurs de tartes). Stand By Me est un film touchant, un peu nostalgique et gentiment mélancolique que l’on peut voir et revoir avec le même plaisir.

Stand By Me - USA (1986), de Rob Reiner, avec Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O’Connell, Kiefer Sutherland, Richard Dreyfuss.

Chiens de paille (1971)

2010-05-13T10:00:00.007+02:00

David, un mathématicien venu s’isoler avec sa femme dans la campagne anglaise pour faire des recherches, est confronté à l’hostilité des habitants de la région : de jeunes hommes oisifs et buveurs qui vont l’humilier jusqu’à ce que, à bout, il décide d’avoir recours à la violence.

Le thème du personnage principal qui refuse la violence mais qui, humilié et harcelé, finit par se révolter et devenir un héros est relativement fréquent dans le cinéma américain. Et Sam Peckinpah qui aime filmer la violence se régale avec ce film qui repose essentiellement sur l’interprétation de Dustin Hoffman. L’acteur est extraordinaire dans le rôle de l’américain couard qui subit sans broncher les pires camouflets avant de se révolter lors d’un final d’une grande violence. Mais ce film dérange parce qu’il fait de la violence un spectacle jouissif mais aussi par la vision ambiguë qu’il donne des femmes : perverses et provocatrices, celles-ci sont la cause de toutes les violences.

On aime en revanche cette atmosphère de Far West qui règne sur la campagne anglaise avec ses mauvais garçons dégénérés qui passent leurs journées et leurs soirées a boire au pub comme leurs homologues américains de jadis dans leur saloon. La campagne anglaise que l’on a l’habitude de voir comme un cadre agréable et paisible devient ici un désert inquiétant où tout peut arriver.

Straw Dogs - USA (1971) – de Sam Peckinpah, avec Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan, T.P. McKenna, Ken Hutchison.

L’Autre (1972)

2010-05-13T09:47:00.006+02:00

En 1935, dans la campagne américaine, deux jumeaux de neuf ans jouent ensemble. Niles est aussi gentil que son frère Holland est méchant, tellement méchant qu’il provoque la mort de plusieurs personnes dans son entourage. La grand-mère qui les élève est la seule à pouvoir comprendre ce qui se passe mais poura-t-elle intervenir ?

De belles images bucoliques, de petites têtes blondes qui gambadent dans les champs autour d’une ferme, esthétiquement L’Autre ressemble à un épisode de La Petite maison dans la prairie mais l’histoire est inquiétante. L’air de rien, sans effets sonores et images chocs, Robert Mulligan nous conte un récit épouvantable. Et c’est cette tranquillité qui rend le film inquiétant et même un peu malsain. Comme si le réalisateur, était incapable de comprendre que quelque chose de maléfique était en train de se produire ou que ces horreurs l’indifféraient. Un aveuglement qui touche aussi les personnages, ce qui énerve un peu et rend l’histoire moins crédible. Comment font-ils pour ne se rendre compte de rien ? Combien d’accidents atroces faudra-t-il pour qu’ils commencent à avoir des soupçons ? On n’y croit pas toujours et on s'ennuie un peu parfois aussi, Mulligan n’ayant pas opté pour une mise en scène nerveuse façon thriller. Mais là réside sans doute l’intérêt de ce film.

Avec le même thème de l’enfant diabolique qui tue, Richard Donner avait, lui, opté pour un film fantastique classique (La Malédiction) destiné à effrayer le public. Mulligan préfère le réalisme et, en refusant de donner une explication (sommes-nous en présence de faits surnaturels ou s’agit-il du récit d’un cas de psychose particulièrement tragique ?), il laisse le soin à chacun de décider, en fonction de ses convictions, s’il s’agit d’un film fantastique ou d’un drame.

The Other - USA (1972) - de Robert Mulligan, avec Uta Hagen, Diana Muldaur, Chris Udvarnoky, Martin Udvarnoky, Victor French, John Ritter.

Les Copains d’abord (1983)

2010-05-13T00:32:00.008+02:00

Des amis d'université, désormais trentenaires, se retrouvent le temps d’un week-end suite au décès d’un des leurs. Ils font le point sur leur vie, leurs succès, leurs déceptions.

Les Copains d’abord est le film d’une génération, celle des anciens hippies, devenus yuppies. La réunion de ce groupe d’amis qui ne se voyaient plus trop depuis la fin de leurs études et qui se retrouvent une décennie plus tard permet au cinéaste de s’interroger sur le sens de la vie. Ces jeunes adultes ambitieux qui gagnent bien leur vie ont-ils trahi les jeunes gens idéalistes qu’ils étaient ? Mais au-delà de cette question métaphysique à laquelle il est bien difficile de répondre, Lawrence Kasdan filme surtout des personnages attachants avec beaucoup d’humour et de tendresse. Et pour interpréter ces personnages, il a engagé de jeunes acteurs talentueux qui ont, pour la plupart, réalisé une belle carrière par la suite. Un film enthousiasmant.

The Big Chill - USA (1983) de Lawrence Kasdan, avec Kevin Kline, Glenn Close, Tom Berenger, William Hurt, Jeff Goldblum, Mary Kay Place, JoBeth Williams, Meg Tilly.

Trouble in Texas (1937)

2010-05-09T23:37:00.007+02:00

Deux balladins écument les rodéos dans l'espoir de venger la mort du frère de l’un d’eux. Ils finissent par retrouver les assassins dans une petite ville où ces derniers ont l’intention de truquer un rodéo et d’attaquer une banque.

Ce petit western d’usine ne mérite pas d’être sorti de l’oubli. Il fait partie d’une série de westerns ayant pour héros Rex Masters, un cowboy souriant et chantant au visage poupin. Celui-ci est flanqué d’un compagnon grassouillet qui porte de grosses moustaches et qui n’est franchement pas futé. Il s’agit de l’élément comique du film. Comme souvent dans ce genre de films de série B, les personnages n’ont aucune profondeur et le film manque singulièrement de tension. D’ailleurs pas une goutte de sang n’est versée. Les quelques balles tirées désarment les méchants sans les blesser comme dans un Lucky Luke. Et pour couronner le tout, le réalisateur casse le rythme de l’intrigue avec des chansons d’une médiocrité affligeante et de trop nombreuses scènes de rodéo. Le seul intérêt de ce film, c’est Rita Hayworth qui interprète un agent double, pour ce qui est l’un de ses premiers rôles. Son charisme et son charme lui permettent de tirer son épingle du jeu. Elle éclipse sans aucune difficulté l’irritant Tex Ritter et son canasson White Flash, les deux seules vedettes du film à en croire le générique.

Trouble in Texas - USA (1937), de Robert M. Bradbury, avec Tex Ritter, Rita Hayworth, Yakima Canutt, Earl Dwire.

Zodiac (2007)

2010-05-09T23:24:00.008+02:00

San Francisco, fin des années 60, un tueur qui se fait appeler le Zodiac sème la terreur et nargue la police en envoyant des lettres à la presse locale. Des inspecteurs de police, un journaliste et un dessinateur enquêtent.

Ce film est tiré d’une histoire vraie. Le tueur du zodiaque a réellement existé et personne n’a jamais pu l’arrêter. A partir de ce fait divers sinistre, David Fincher a réussi un film exceptionnel. Pour cela, il a reconstitué la Californie de l’époque grâce notamment à une bande-son de premier choix qui mêle chansons sirupeuses et musique psychédélique. Le cinéaste filme les crimes du Zodiac avec réalisme, montrant ainsi une violence à l’état brut, simple et presque banale, bien plus terrifiante que les délires sadiques des serial killers de fiction tel que le tueur de Se7en, un autre film de Fincher. Voyeur impuissant, le spectateur garde les yeux grands ouverts alors que sa gorge et son estomac se serrent.

Mais si ces scènes sont marquantes, elles ne représentent qu’un court moment du film. La caméra de Fincher s’intéressent surtout aux différents enquêteurs qui creusent chaque piste, dissèquent chaque témoignage pouvant les amener à l'arrestation du tueur, un tueur qui va continuer à les hanter même quand il ne fera plus parler de lui. Fascinés par le Zodiac, ils sacrifient souvent leur vie privée et professionnelle pour se consacrer à sa traque et vont de frustrations en frustrations. Pour jouer ces trois personnages, Fincher a choisi trois acteurs de talent : Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo et Robert Downey Jr. Et si le premier tient le rôle principal, il est éclipsé par les deux autres qui livrent des interprétations impressionnantes. On se souviendra longtemps de ce flic attachant joué par Mark Ruffalo.

Zodiac – USA (2007) de David Fincher, avec Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Robert Downey Jr, Brian Cox, John Carroll Lynch, Chloe Sevigny, Dermot Mulroney.

Scaramouche (1952)

2010-05-09T23:15:00.006+02:00

A la veille de la Révolution française, un homme apprend l’escrime pour venger la mort de son meilleur ami tout en se cachant au sein d’une troupe de théâtre ambulant pour laquelle il interprète le personnage de Scaramouche.

Scaramouche est un incontestable chef d’œuvre du film de cape et d’épée grâce à un scénario brillant, qui réserve son lot de surprises. On navigue entre comédie, histoire d’amour et action. L’humour est burlesque façon Comedia del arte puisque tel est l’art pratiqué par la troupe de théâtre dans laquelle vit André Moreau, le personnage principal. Un art que les comédiens pratiquent sur scène mais aussi en dehors : les scènes explosives mais réjouissantes entre André Moreau et son amante, elle aussi actrice.

A côté de cela, il y a le film d’aventure. Une histoire de vengeance avec ses nombreuses scènes de combats dont la finale, mémorable, qui se déroule dans un somptueux théâtre à l’italienne. Stewart Granger, portant un magnifique collant zébré noir et blanc, y livre le plus long combat d’épée de l’histoire du cinéma, un combat extrêmement spectaculaire contre le cruel marquis de Maynes interprété par Mel Ferrer. Ce dernier a tué le meilleur ami d’André Moreau et il est aussi sur le point d’ épouser la femme dont André est épris (Janet Leigh, plus belle que jamais).

Stewart Granger interprète André Moreau/Scaramouche avec un charisme et une puissance extraordinaire. Son personnage est en quête d’identité. Il sait que son vrai nom n’est pas André Moreau et cherche à savoir qui il est réellement mais sa véritable identité ne lui sera dévoilée qu’à la fin comme cela arrive parfois dans les pièces de Molière. Le personnage avance donc masqué tout le long du film, retirant un masque pour en découvrir un nouveau. Il est André Moreau au début du film, puis Scaramouche bien sur, mais aussi la personne qu’il croit être et celle qu’il est véritablement.

Face à Stewart Granger, Mel Ferrer joue un méchant cruel mais fort séduisant et assez humain, ce qui est suffisamment rare pour être signalé. Côté féminin, Janet Leigh est divinement belle en jeune comtesse douce et pure alors qu’à l’opposé Eleanor Parker interprète avec talent une actrice forte et rouée.

La mise en scène de George Sidney est magistrale. Le réalisateur, qui avait déjà réussi une brillante adaptation des Trois mousquetaires quatre ans plus tôt, s'impose comme le grand maitre des films de cape et d'épée.

Scaramouche - USA (1952) de George Sidney, avec Stewart Granger, Eleanor Parker, Mel Ferrer, Janet Leigh, Henri Wilcoxon, Nina Foch, Richard Anderson, Robert Coote, Lewis Stone.

Deux rouquines dans la bagarre (1956)

2010-05-09T23:06:00.006+02:00

Deux sœurs pactisent avec un truand pour faire élire à la mairie l’homme qu’elles soutiennent, déclenchant ainsi une guerre des gangs.

Le film suit avant tout le personnage joué par John Payne, crapule opportuniste qui utilise l’élection municipale pour renverser le parrain local et prendre sa place. Pourtant il ne s’agit pas là du personnage le plus intéressant. Comme les autres personnages masculins de ce film (le parrain, le maire), il est assez prévisible. La caméra et les yeux des spectateurs sont braqués sur les « deux rouquines » : celle interprétée par Rhonda Fleming qui semble bonne et vertueuse à première vue mais qui se révèle prête à toutes les manipulations pour défendre ses intérêts, et l’autre (Arlene Dahl), sa sœur, son fardeau, qui sort de prison et qui semble plus délurée. Cette dernière se révèle être une cleptomane doublée d’une nymphomane.

Les personnages qui se manipulent tous les uns les autres réussissent leur coup. Tous sortent gagnants mais un incident va dérégler ce plan parfait et les mettre en danger. Les voilà tout d’un coup sur le point de tout perdre. On reconnaît bien dans ce scénario la patte de James M. Cain. Il s’agit de l’adaptation d’un roman de ce grand maître du polar. Les femmes belles et très sensuelles semblent sans défense mais elles se révèlent être fatales. Ce sont elles qui tiennent les rênes. Les hommes, mêmes puissants ou violents, ne sont que des pions sur leur échiquier. Ils leurs doivent leur réussite et leur perte. Mais, et c’est peut-être dommage, cette histoire est moins noire qu’à l’accoutumé pour du Cain. C’est comme si le scénariste avait fait machine arrière au dernier moment pour remettre l’histoire et les personnages sur le droit chemin.

On appréciera la mise en scène soignée et efficace d’Allan Dwan qui n’a pas eu peur de filmer des scènes très osée à une époque où la censure se montrait sévère. Les admirateurs de Rhonda Fleming et d’Arlene Dahl ne seront pas déçus. Ils ne les verront pas souvent dans de si beaux rôles.

Slightly Scarlet - USA (1956) de Allan Dwan, avec John Payne, Rhonda Fleming, Arlene Dahl, Kent Taylor, Lance Fuller.

Le Signe de Zorro (1940)

2010-05-08T14:44:00.008+02:00

De retour d’Espagne, un gentilhomme Mexicain apprend que son père, gouverneur de Californie, a été renversé par un infâme dictateur. Il joue au bel hidalgo superficiel et un peu idiot en public, mais lutte clandestinement et masqué pour évincer le tyran sous le nom de Zorro.

La mise en scène de Mamoulian est soignée, le réalisateur joue avec l’ombre et la lumière dans ce divertissement en noir et blanc. Et ce qui séduit surtout, c’est qu’il conduit parfaitement son récit en alternant la comédie (les scènes dans lesquelles Don Diego joue les dandys précieux) et l’action (les scènes de combat avec Zorro). Tout le film repose sur les épaules de Tyrone Power qui s’en tire très bien, lui que l’on savait doué pour les scènes d’action et le maniement de l’épée mais dont on ignorait le talent pour la comédie. Don Diego/Zorro version Power est un vrai régal à côté duquel le Zorro de Banderas fait pâle figure.

Face à Tyrone Power, Mamoulian a trouvé le meilleur des adversaires en la personne de Basil Rathbone qui interprète l’éminence grise du tyran, celui qui tire toutes les ficelles et qui est le vrai responsable des malheurs du pays.

The Mark of Zorro - USA (1940) de Rouben Mamoulian, avec Tyrone Power, Linda Darnell, Basil Rathbone, Gale Sondergaard.

Arènes sanglantes (1941)

2010-05-08T14:31:00.011+02:00

La destinée d’un enfant andalou qui devient un glorieux toréador comme son père avant de vivre la déchéance.

L’Andalousie d’Arènes sanglantes est une Andalousie d’opérette, un peu comme le Paris d’Un Américain à Paris. On y croit peu mais on ne peut qu’apprécier ce petit monde idéalisé et admirer l’impeccable esthétique Technicolor, qui rappelle celle de l’excellent Douglas Sirk. Le film a d’ailleurs été récompensé d’un Oscar pour sa photographie.

L’histoire de ce mélo est sans surprise. Tout commence comme un conte de fée mais la fin tragique du héros semble inévitable, quoi qu’il fasse, on sent qu’il ne peut échapper à son implacable destinée. Le malheur semble habiter le pays du Flamenco. On assiste donc à la réussite d’un jeune adolescent qui atteint son rêve : il devient le plus grand toréador de son époque, épouse celle qu’il aime depuis toujours et met à l’abri du besoin ses proches. Mais que peut faire un jeune homme qui a obtenu tout ce dont il rêvait si tôt dans la vie ? Après avoir atteint le sommet, il ne peut que redescendre. Sa perte viendra de sa rencontre avec une riche croqueuse d’hommes. Celle-ci est interprétée par une très sensuelle Rita Hayworth qui humilie sa rivale (Linda Darnell), venue lui demander de lui rendre son mari, dans une scène mémorable.

Qui d’autre que Tyrone Power, aurait pu interpréter ce beau toréador ténébreux, avide de gloire, qui perd peu à peu goût à tout ? L’acteur est parfait dans ce rôle plus exigeant que ses rôles habituels. Un rôle tenu par Rudoph Valentino vingt ans plus tôt puisqu’il s’agit d’un remake. On remarquera, à ses côtés, un bon Anthony Quinn dans le rôle du rival agressif et un très bon John Carradine dans le rôle de l’ami fidèle et lucide. Côté féminin, Linda Darnell est la plus belle mais Rita Hayworth lui vole la vedette grâce à la perversité de son personnage.

Blood and Sand - USA (1941) de Rouben Mamoulian, avec Tyrone Power, Linda Darnell, Rita Hayworth, Anthony Quinn, John Carradine, George Reeves.

Le Come-back (2007)

2010-05-08T14:19:00.008+02:00

Star déchue des 80s, Alex Fletcher a l’occasion de revenir sur le devant de la scène grâce à une chanteuse à la mode qui le sollicite pour un duo. Mais pour cela, il lui faut écrire une bonne chanson et il en est bien incapable. Heureusement il rencontre Sophie Fisher, jeune poétesse inspirée.

Le Come-back est une comédie romantique construite sur le même canevas que les autres films du genre. Ne vous attendez donc pas à être surpris. Vous pourrez par contre être séduit par le sympathique duo formé par Hugh Grant, dont le jeu est assez sobre pour une fois, et la craquante Drew Barrymore. Et vous serez sans doute très amusé par les séquences musicales qui ridiculisent la pop/new wave des 80s (le clip du groupe d’Alex Fletcher qui ouvre le film est déjà culte) et la pop dansante actuelle façon Britney Spears (ridicule Cora). Un film léger mais fort distrayant.

Music and Lyrics - USA (2007) de Mark Lawrence, avec Hugh Grant, Drew Barrymore, Brad Garrett, Kristen Johnston, Campbell Scott, Scott Porter.

La Flèche brisée (1950)

2010-05-02T17:43:00.007+02:00

Alors que les massacres entre colons américains et Comanches vont bon train, un aventurier apprend à connaître le peuple Comanche, gagne la confiance de son chef Cochise et tente d’instaurer la paix.

Ce western humaniste obtint un joli succès en son temps et fut même nominé trois fois aux Oscars. Il affiche une réelle volonté d’humaniser les Indiens, trop souvent décrits comme des hommes hostiles et sanguinaires. Ce rejet de tout manichéisme fait de ce film un ancêtre direct de Little Big Man et Danse avec les Loups. Le script signé par le blacklisté Albert Maltz est très réussi et la mise en scène de Delmer Daves est sans défaut, passant habillement des scènes d’actions au scènes plus calmes durant lesquelles l’aventurier joué par James Stewart, plus fougueux qu’à l’accoutumée, apprend à connaître puis à respecter les Comanches et vit une belle romance avec une jeune squaw, interprétée par Debra Paget, qui n’avait alors que 16 ans. Mais l’interprétation la plus mémorable vient de Jeffrey Hunter, très convainquant dans le rôle de Cochise, qu’il reprendra d’ailleurs deux ans plus tard dans The Battle at Apache Pass.

Broken Arrow - USA (1950) de Delmer Daves, avec James Stewart, Jeffrey Hunter, Debra Paget, Will Geer, Jay Silverheels.

Votez McCay (1972)

2010-05-02T17:33:00.008+02:00

Un jeune militant écologiste est recruté par le parti démocrate pour affronter aux élections sénatoriales un indéboulonnable sénateur républicain.

Réalisé en 1972, à l’époque où Robert Redford était une vedette de blockbusters, Votez McCay est un film à petit budget, engagé, produit par Robert Redford lui-même. L’acteur s’intéresse aux dilemmes de la politique. Un candidat idéaliste doit-il refuser toute compromission ou accepter de policer son discours et de se mettre en scène pour parvenir à être élu et imposer toutes ou partie de ses idées ? Le scénario de Jeremy Larner, récompensé par un Oscar, est très habile. Ni naïf, ni cynique, il possède cet optimisme propre aux films américains des années 70. La mise en scène très réaliste de Michael Ritchie est à la hauteur du scénario. Le cinéaste évite tout manichéisme et son film ressemble souvent à un documentaire.

La présence de nombreuses personnalités qui interviennent dans la campagne dans leur propre rôle (Natalie Wood notamment) renforce la confusion entre réalité et fiction.

The Candidate - USA (1972), de Michael Ritchie, avec Robert Redford, Peter Boyle, Don Porter, Allen Garfield, Karen Carlson, Melvyn Douglas.

Neuf mois aussi (1995)

2010-05-02T17:25:00.009+02:00

Un couple très BCBG apprend qu’il va avoir un enfant. La femme attendait ce moment depuis longtemps mais l’homme est terrorisé à l’idée de cet évènement qui promet de chambouler toute sa vie.

Neuf Mois Aussi s'intitule ainsi pour marquer une différence avec le film français Neuf mois dont il est le remake. Comme souvent le remake américain est meilleur que l'original français.

Neuf Mois Aussi est à classer dans la catégorie comédie romantique. La romance entre Hugh Grant, assez irritant par ses mimiques de grandes coquettes, et Julianne Moore, ne présente guère d’intérêt car elle est assez attendue. Par contre, ce qui fait l’intérêt du film, c’est le burlesque qui vient essentiellement des personnages secondaires. Il y a tout d’abord Robin Williams, hilarant en obstétricien russe très nerveux, qui multiplie les maladresses et les lapsus malheureux. Autre élément comique du film, Tom Arnold, cet « ami » sans gêne papa gaga d’une portée de petites filles assez perturbées. Ces deux personnages font de Neuf Mois Aussi, une comédie romantique au-dessus de la moyenne.

Nine Months - USA (1995), de Chris Columbus, avec Hugh Grant, Julianne Moore, Jeff Goldblum, Tom Arnold, Joan Cusack, Robin Williams.

Alerte dans le cosmos (1979)

2010-05-02T17:13:00.007+02:00

Une colonie terrienne qui vit sur la Lune voit sa survie menacée par l’ignoble Omus et ses robots kamikazes. Un savant, son fils et sa fille embarquent à bord du Star-Strek pour mettre un terme aux agissements d’Omus.

Alerte dans le cosmos a beau être tiré d’un roman du vénérable H.G. Wells, cela n’en reste pas moins l’un des pires navets de l’histoire du cinéma. Une réalisation et un montage bâclé, un scénario et des dialogues qui semblent écrits par un gamin de 6 ans, des effets spéciaux qui ont vingt ans de retard, des acteurs ridicules à commencer par ce pauvre Jack Palance que l’on a affublé d’un costume de super héro, tout est navrant dans cette série Z qui ressemble à un bêtisier du cinéma. A éviter à tout prix.

The Shape Of Things To Come - Canada (1979) de George McCowan, avec Jack Palance, Carol Lynley, John Ireland, Barry Morse, Nicholas Campbell, Eddie Benton.

Buck Rogers au XXVe siècle (1979)

2010-05-02T01:07:00.004+02:00

Un spationaute parti en mission dans les années 70 revient sur Terre au XXVe siècle. La civilisation et les mentalités ont quelque peu changé et la menace d’une invasion extra-terrestre pèse sur la Terre.

Buck Rogers au XXVe siècle est un cas unique dans l’histoire du cinéma puisqu’il s’agit du pilote d’une série de télévision qui est sorti au cinéma. Buck Rogers est un héros de bande-dessinée puis de serial dans les années 30. Les producteur de Galactica l’ont ressorti des cartons après le succès de La Guerre des étoiles. Le film a beaucoup emprunté au classique de George Lucas : le design des engins spatiaux, les robots, l’inspiration des civilisations antiques et le personnage de Buck Rogers fait souvent penser à Hann Solo par son culot et son sens de la dérision.

Hélas, Buck Rogers au XXVe siècle n’est qu’une pâle imitation : les effets spéciaux sont souvent minables, les personnages extrêmement caricaturaux et le scénario médiocre. Il en résulte un film kitsch et souvent ridicule à l’image de cette scène de bal néo-baroque où Buck Rogers danse un disco ringard avec la reine des extra-terrestres. Enfin, on ne parlera pas de la réalisation inexistante de Daniel Haller, réalisateur de télévision lancé par Roger Corman.

Buck Rogers In The 25th Century - USA (1979) de Daniel Haller, avec Gil Gerard, Pamela Hensley, Henry Silva, Erin Gray.

Ma vie à moi (1950)

2010-05-02T01:00:00.007+02:00

Une jeune provinciale arrive à New York pour devenir top model. Elle parviendra à ses fins mais ne trouvera pas le bonheur, tombant amoureuse d’un homme d’affaires qui ne peut quitter son épouse handicapée.

George Cukor est considéré à juste titre comme un maître de la comédie américaine. Ce film montre qu’il est beaucoup moins adroit dans le mélodrame. Certaines scènes montrant le désespoir des personnages ont beau être très réussies, l’histoire, très sombre et sans surprise, lasse rapidement le spectateur. Et si Lana Turner ne manque pas de charme, il semble évident qu’elle est trop âgée pour ce rôle. On appréciera tout de même le réalisme de ce film qui bénéficie d’une très belle photographie en noir et blanc.

A Life Of Her Own - USA (1950) de George Cukor, avec Lana Turner, Ray Milland, Tom Ewell, Louis Calhern, Ann Dvorak, Margaret Phillips, Jean Hagen.

Crossroads (1986)

2010-05-02T00:53:00.012+02:00

Un jeune guitariste aide un vieux bluesman à s’évader d’une maison de retraite et part avec lui sur la route du blues dans l’espoir de devenir à son tour un grand bluesman.

Que faire de Ralph Macchio après Karate Kid ? Les studios ne se sont pas posés trop de questions et ont refait le même film en apportant de légères modifications. Le blues a remplacé le karaté et un vieux maître noir a pris la place du vieux maître japonais. Hélas, ça ne marche pas. Cela aurait pu être une belle histoire d’apprentissage mais le film manque de charme et surtout de subtilité. Le scénario est attendu et le personnage de Ralph Macchio n’est pas crédible. Qui peut croire qu’une balade d’une semaine dans le Sud des États-Unis et une peine de cœur font d’un jeune adolescent un as du blues ? Du coup Ralph Macchio en devient horripilant.

Le final, un combat de solos de guitares électriques entre un Ralph Macchio, doublé par Ry Cooder, et un Steve Vai déchaîné, est catastrophique et fait définitivement sombrer le film dans le ridicule.

Crossroads – USA (1986) de Walter Hill, avec Ralph Macchio, Joe Seneca, Jami Gertz, Joe Morton, Robert Judd, Harry Carey Jr., Steve Vai.

L'Héritière (1949)

2010-05-01T00:54:00.008+02:00

Dans la bourgeoisie américaine du XIXe siècle, une riche jeune femme sans charme tombe amoureuse d’un beau jeune homme qui ne la courtise que pour sa dote.

Adapter un roman de Henry James n’est pas facile. William Wyler a pourtant réussi à faire un grand film de ce magnifique roman (Washington Square). Le cinéaste adapte l’histoire avec fidélité et sa caméra scrute avec précision les personnages car ce sont eux qui sont au cœur de ce suspense psychologique. Montgomery Clift en jeune homme irrésistiblement ambitieux est transcendant et il n’est pas étonnant que George Stevens lui ait confié, deux ans plus tard, un rôle similaire dans le fameux Une place au soleil. La partenaire de Clift, Olivia de Havilland est étonnante en jeune femme complexée et sans cesse humiliée. Nul doute qu’il s’agit là de son plus grand rôle. L’actrice a d’ailleurs reçu un Oscar et un Golden Globe pour son interprétation dans ce film. Mais les deux acteurs principaux ne doivent pas faire oublier deux autres comédiens fabuleux dans ce film : Ralph Richardson, dans le rôle du père qui n’éprouve que de la pitié pour une fille qu’il rabaisse constamment, et Miriam Hopkins, tante malicieuse qui joue les entremetteuses et tombe sous le charme du beau prétendant de sa nièce. L’interprétation de ces deux comédiens est pour beaucoup dans la réussite du film.

Signalons enfin que la musique de ce film, signée Aaron Copland, a également été récompensée d’un Oscar, tout comme les décors et les costumes permettant à L’Héritière de remporter 4 Oscars sur ses 8 nominations.

The Heiress – USA (1949) de William Wyler, avec Montgomery Clift, Olivia de Havilland, Ralph Richarson, Miriam Hopkins, Vanessa Brown.

Au-dessous du volcan (1984)

2010-04-30T19:02:00.009+02:00

Ex-consul britannique au Mexique, Geoffrey Firmin ne dessaoule plus depuis que sa femme l’a trompé avec son frère puis quitté. Mais voilà l’épouse de retour au foyer, décidée à redonner une chance à leur couple. Parviendra-t-elle à changer le cours des choses ?

On disait le roman de Malcolm Lowry inadaptable. John Huston a eu l’imprudence d’en faire un film, s’attirant les foudres de la critique. Pourtant son film tient la route. Il décevra peut-être les fans du roman mais il s’agit d'un très beau film, hanté par la mort : les symboles de la mort y sont nombreux à commencer par cette fête des morts durant laquelle se déroule toute l’intrigue et qui incite à penser que la mort est inéluctable et que l’on assiste à une tragédie.

Dans des rôles difficiles, les comédiens s’en sortent bien. Albert Finney semble s’amuser à jouer les alcooliques lucides, ivre du début à la fin du film. A ses côtés, Jacqueline Bisset, qui incarne celle par qui le malheur est arrivé et qui représente pourtant, pour son mari, l’unique chance de s’en sortir, nous émerveille par sa beauté. Signalons aussi la présence de la senior Katy Jurado en tenancière de troquet.

Under The Volcano - USA (1984) de John Huston, avec Albert Finney, Jacqueline Bisset, Anthony Andrews, Katy Jurado, Sergio Calderon.

Il était une fois (1941)

2010-04-30T18:57:00.007+02:00

Au cours d’un procès, les différents protagonistes de l’intrigue se succèdent à la barre pour raconter l’histoire d’un crime commis par une femme défigurée.

Ce remake d’un film suédois avec Ingrid Bergman est une belle réussite. A mi-chemin entre le mélo et le suspense policier, le film tient en haleine le spectateur qui ne sait si la femme est toujours défigurée ou si son opération esthétique a réussi et si elle a tué l’enfant qu’on lui a demandé d’assassiner.

Joan Crawford, qui tient le haut de l’affiche, y interprète l’un de ses plus beaux rôles, celui d’un personnage ambigu qui oscille entre le bien et le mal, et qui apparaît tour à tour comme une créature profondément méchante ou comme la plus charmante des femmes. L’interprétation de Conrad Veidt vaut également le détour, l’acteur paraît plus méphistophélique que jamais dans le rôle d’un ignoble gentleman.

A Woman’s Face - USA (1941) de George Cukor, avec Joan Crawford, Melvyn Douglas, Osa Massen, Conrad Veidt, Reginald Owen, Donald Meek.

La Brune brûlante (1959)

2010-04-30T18:52:00.008+02:00

Un bon père de famille, poursuivi par une voisine très entreprenante, est chassé de son foyer parce que sa femme le pense infidèle. Il s’efforce de la reconquérir alors que le projet d’une implantation de base militaire les oppose.

Inspiré d’un roman de Max Shulman, cette comédie est l’avant dernier film de Leo McCarey, un vétéran qui construisit l’essentiel de sa filmographie dans les années 20 et 30. Il s’agit d’un pur vaudeville, l’histoire tant de fois racontée d’un homme qui perd la confiance de sa femme et qui fait tout pour la reconquérir. Pour jouer cet homme, on retrouve un surprenant Paul Newman que l’on a rarement vu dans ce registre. L’acteur s’en tire très bien et forme un beau duo avec Joanne Woodward, son épouse à la ville. Le couple est bien aidé par de talentueux seconds rôles : Jack Carson, très drôle dans le rôle du militaire stupide et borné à qui rien ne réussit, et surtout Joan Collins, parfaite dans le rôle de la « brune brûlante » qui poursuit de ses assiduités son malheureux voisin et qui vole la vedette à Joanne Woodward.

Rally 'Round The Flag, Boys ! - USA (1959) de Leo McCarey, avec Paul Newman, Joanne Woodward, Joan Collins, Jack Carson, Tuesday Weld, Dwayne Hickman.

Suzanne et ses idées (1939)

2010-04-25T00:23:00.006+02:00

Suzanne, qui vient de rejoindre une secte chrétienne, est bien décidée à convertir ses amis et à les remettre dans le droit chemin. Pourtant elle a abandonné son mari et sa fille qui la supplient de revenir vivre avec eux.

Cette pièce de boulevard gentillette de Rachel Crothers adaptée par Anita Loos, manque un peu de rythme et oublie en cours de route ses personnages secondaires. C’est bien dommage car ceux-ci sont interprétés par d’excellents comédiens parmi lesquels la jeune Rita Hayworth. La comédie loufoque des premières minutes devient alors une comédie romantique plus banale durant laquelle le mari fait de son mieux pour reconquérir la femme qu’il aime.

Joan Crawford, qui interprète Susan, surprend agréablement dans un registre inhabituel pour elle : celui de la femme gaie, un peu fofolle et infatigable façon Katharine Hepburn. Par contre, dans le rôle de son mari, Fredric March livre une interprétation un peu mollassonne.

Susan and God - USA (1939) de George Cukor, avec Joan Crawford, Fredric March, Ruth Hussey, Rita Hayworth, John Caroll, Nigel Bruce, Bruce Cabot.

Tarnished Lady (1931)

2010-04-25T00:20:00.006+02:00

Une jeune femme de la bonne société, dont la famille est ruinée, choisit d’épouser un milliardaire qui l’indiffère plutôt que le jeune dramaturge dont elle est amoureuse. Elle regrette vite ce choix.

Ce conte pour petites filles de bonnes familles a de quoi dérouter le spectateur. Difficile en effet de s’attacher à ce personnage de pauvre petite fille riche qui doit faire des sacrifices pour maintenir son niveau de vie élevé, devant même parfois s’abaisser à travailler ! Néanmoins l’ensemble est plaisant grâce à un scénario bien ficelé avec de multiples rebondissements et une très bonne interprétation de Tallulah Bankhead. Cukor ne s’impose pas encore comme un grand maître mais il offre avec ce film une peinture intéressante de la haute société américaine des années folles, comme à son habitude.

Tarnished Lady - USA (1931), de George Cukor, avec Tallulah Bankhead, Clive Brooks, Phoebe Forster, Alexander Kirkland.

Girls About Town (1931)

2010-04-25T00:12:00.008+02:00

Dans le New York des années 30, Wanda et Mary, deux belles jeunes femmes, sont payées pour accompagner de riches hommes d’affaires à des fêtes. A l’une d’elles, Wanda tombe amoureuse de son client alors que Mary à la malchance de tomber sur un homme particulièrement avare.

C’est le New York de Fitzgerald, celui des grandes fêtes des années folles. Le champagne coule à flot et les élégantes et longilignes new-yorkaises se dandinent sur des airs de jazz. Une époque qui convient parfaitement à George Cukor qui fait encore ses gammes mais réussit là un bon divertissement. On y rie de la pingrerie et de l’orgueil des hommes mais aussi de l’avidité des femmes. Le cinéaste s’amuse à faire le portrait de deux amies très différentes l’une de l’autre (la douce brune qui rêve de se caser et la blonde gouailleuse qui n’a pas l’intention d’arrêter la fête) sans pour autant perdre de vue une histoire bien construite bien qu’un peu prévisible.

Pour interpréter les deux jeunes escort girls, Cukor a réuni deux belles actrices du début des années 30 : la brune Kay Francis et la blonde Lilyan Tashman, très douée pour les rôles comiques et qui mourut peu de temps après le tournage, au cours d’une opération chirurgicale. A leurs côtés, on retrouve le beau Joel McCrea dans le rôle de l'homme d’affaire que Wanda veut épouser.

Girls About Town - USA (1931), de George Cukor, avec Kay Francis, Lilyan Tashman, Joel McCrea, Eugene Pallette, Alan Dinehart, Anderson Lawler.

L'Esclave libre (1957)

2010-04-25T00:05:00.009+02:00

Une jeune bourgeoise sudiste découvre, à la mort de son père, qu’elle a du sang noir dans les veines. Elle est déshéritée et vendue comme esclave à un riche aventurier de la Nouvelle-Orléans.

Film en technicolor flamboyant sur la vie d’une belle sudiste bouleversée et ruinée par la guerre de Sécession, qui aime malgré elle un riche aventurier incarné par Clark Gable, L’Esclave libre fait immanquablement penser à Autant en emporte le vent. Il serait néanmoins injuste de le considérer comme une simple imitation même s’il n’est pas impossible que les producteurs n’aient vu dans ce film qu’un bon moyen d’exploiter un sujet qui avait déjà fait ses preuves.

Premier argument en sa faveur, L’Esclave libre a le mérite de ne pas montrer une image d’Epinal de la guerre de Sécession. Les soldats Nordistes ne sont pas présentés comme des idéalistes venus délivrer le peuple noir de l’esclavage. Au contraire, ils se montrent souvent aussi racistes que leurs adversaires Sudistes, utilisant les esclaves noirs « confisqués » comme de la chair à canon. De son côté, le personnage principal, interprété par Clark Gable, est un riche Sudiste qui possède de vastes plantations dans lesquelles travaillent des esclaves. Il ne se montre pas pour autant inhumain, élevant un jeune homme noir comme son propre fils. Ce personnage secondaire est très intéressant dans sa complexité : il hait son père adoptif pour sa générosité et rejoint l’armée du Nord mais se voit traité là-bas comme un moins que rien. La jeune héroïne de ce film, interprétée par Yvonne De Carlo, vit une situation comparable : traitée comme une princesse par son maître, elle est méprisée par les soldats de Lincoln pour qui les quelques goûtes de sang noir qu’elle a dans les veines comptent plus que sa personnalité, sa beauté et son éducation. Le Nord peut lui offrir la liberté mais ne la laissera jamais redevenir la grande dame qu’elle a été.

Autre différence majeure entre les deux films, L’Esclave libre est un film très sensuel dans lequel la belle Yvonne De Carlo incarne l’objet de tous les désirs. Walsh ose beaucoup, filmant son actrice dans des poses très lascives pour l’époque ou dans des scènes aux connotations sado-masochistes évidentes : la jeune femme prisonnière d’un ignoble marchand d’esclaves qui la maltraite et veut lui prendre sa vertu, la vente dans un marché aux esclaves où des hommes libidineux l’examinent et la tâtent...

Loin d’être une pâle copie d’Autant en emporte le vent, L’Esclave libre est donc un bon film d’aventures, moderne, qui présente les hommes et l’Histoire avec beaucoup d’acuité et de cynisme.

Band of Angels - USA (1957), de Raoul Walsh, avec Clark Gable, Yvonne De Carlo, Sidney Poitier, Efrem Zimbalist Jr., Andrea King.

Sway (2006)

2010-04-24T23:53:00.006+02:00

Un jeune photographe repart dans la petite ville de son enfance pour l’anniversaire de la mort de sa mère. Il y retrouve son frère ainsi qu’une amie d’enfance. Lors d’une promenade, la jeune femme trouve la mort. Le frère l’a-t-il tué ou s’agit-il d’un accident ?

On s’attend tout d’abord à une comédie romantique, Takeru, le jeune photographe très en vogue à Tokyo, retrouverait ses racines, sa famille et l’amour dans la petite ville où il a grandi. Mais tout sombre dans le drame lorsque Takeru, son frère et son amie d’enfance partent en randonnée et que la jeune femme chute d’un pont et se tue. Takeru n’a rien vu mais le doute le ronge. S’agit-il d’un accident ou son frère a-t-il tué la jeune femme parce qu’elle ne voulait pas de lui ?

Dès lors le film piétine. Le climat est glauque, le tempo devient très lent avec d’interminables scènes de tribunal, et les doutes et le dilemme du peu sympathique personnage principal, dont le témoignage peut envoyer son frère en prison, laisse indifférent. On s’ennuie beaucoup en voyant ce décevant Sway qui aurait pu être beaucoup plus intéressant si quelques péripéties avaient été rajoutées à l’intrigue.

ゆれる - Japon (2006) de Miwa Nishikawa, avec Jô Odagiri, Teruyuki Kagawa, Masâto Ibu, Hirofumi Arai, Yoko Maki.

Shara (2003)

2010-04-24T23:44:00.006+02:00

Kei et Shun Aso, deux jeunes jumeaux jouent dans les rues de Nara. Soudain Kei disparaît. On ne le retrouvera jamais. Quelques années plus tard, Shun va au lycée et a une petite amie mais la disparition continue à le hanter. Ses parents qui attendent un enfant en souffrent aussi.

Une mise en scène elliptique, de très longs silences, pas de musique, des paroles anodines, la première partie du film est assez déstabilisante et l’on craint le pire. Mais alors que la fête annuelle se prépare dans les rues de Nara, la famille Aso retrouve le goût à la vie passant progressivement de l’ombre à la lumière et le film s’anime.

Ce très joli film est mis en scène avec beaucoup de sensibilité et de pudeur par Naomi Kawase qui joue également le rôle de la mère des jumeaux. La cinéaste a filmé cette histoire avec un grand réalisme : des actions banales de la vie quotidienne, de nombreux silences, des dialogues souvent si anodins qu’ils semblent improvisés. L’effet de réalisme est renforcé par un casting constitué, en grande partie, d’acteurs non professionnels. Un choix fort judicieux qui rend cette histoire non pas larmoyante mais touchante.

Shara est aussi un film sur Nara, ville intemporelle (il est d’ailleurs impossible de dater précisément cette histoire), d’abord présentée comme un univers sombre et inquiétant puis comme une ville paisible, lumineuse et agréable.

沙羅双樹 - Japon (2003), de Naomi Kawase, avec Kohei Fukunaga, Yuka Hyodo, Katsuhisa Namase, Kanako Higuchi, Naomi Kawase.

Hush ! (2001)

2010-04-24T23:41:00.008+02:00

Naoya et Katsuhiro, deux jeunes gays, vivent ensemble. Mais Katsuhiro se retrouve soudainement harcelé par une collègue prête à tout pour l’épouser et une inconnue décidée à avoir un enfant de lui. Une situation qui se complique encore lorsque la famille s’en mêle.

Contrairement à ce que l’on pourrait croire, Hush! n’est pas une comédie de boulevard façon La Cage aux folles. Il s’agit plutôt d’une comédie douce-amère qui aborde le problème de l’homosexualité, encore très tabou au Japon. Hush! traite aussi de l’angoisse des japonaises qui risquent de finir vieilles filles si elles ne sont pas mariées à 30 ans. Deux sujets de société délicats et une histoire qui oscille entre le drame et la comédie, cela aurait pu faire un bon film. Hélas le réalisateur donne surtout l’impression de n’avoir pas su choisir entre les deux genres et le film en souffre, d’autant que les scènes comiques sont souvent un peu exagérées et que le scénario ne décolle pas. La demi-heure passée on commence à beaucoup s’ennuyer malgré des comédiens attachants.

ハッシュ! - Japon (2001), de Ryosuke Hashiguchi, avec Kazuya Takahashi, Seiichi Tanabe, Reiko Kataoka, Yoko Akino.

La Bête aveugle (1968)

2010-04-24T23:34:00.007+02:00

Un inquiétant sculpteur aveugle enlève la belle modèle Aki et la retient prisonnière dans son atelier. Il veut faire d’elle un chef d’œuvre de l’art tactile.

Edogawa Rampo (Edgar Allan Poe prononcé à la japonaise) est un grand maître du roman policier et du roman d’angoisse. Son chef d’œuvre, La Bête aveugle écrit en 1931 reste d’une grande modernité. La poésie sensuelle et inquiétante de ce court roman tient le lecteur en haleine du début à la fin.

Hélas, il n’en est rien avec le film de Yasuzo Masumura, cinéaste coté de la nouvelle vague japonaise. A contre-pied de l’écrivain qui faisait lentement monter l’angoisse, le cinéaste rentre très tôt dans le vif du sujet en mettant en scène l’enlèvement dès le début du film. Il filme donc une heure et demi durant, la captivité de la jeune femme et l’évolution de ses sentiments et de ses relations avec son ravisseur. On est d’abord ébloui par cette magnifique scène où la jeune femme découvre l’atelier de l’artiste aveugle, immense hangar où sont exposées des représentations géantes de diverses parties du corps féminin. Puis une fois le décor planté, on assiste au spectacle atterrant de ce couple improbable qui se bat, s’aime puis se détruit dans une succession de scène ennuyeuses et grotesques. L’angoisse et l’érotisme qui ont fait le succès du roman sont bien loin. Seuls seront satisfaits les amateurs de séries B kitsch des années 60.

Peut-être Yasuzo Masumura pensait-il à son adaptation de La Bête aveugle lorsqu’il déclarait à propos des adaptations cinématographiques de roman « Je pense que c’est une chose absolument impossible. Il y a un univers qui n’existe que par les mots et qu’on ne peut pas exprimer par l’image. » (Propos recueillis au magnétophone à Tokyo en 1969 par Aoi Ichiro, Shirai Yoshio et Yamada Koichi, traduits du japonais par Yamada Koichi et Jane Cobbi).

盲獣 - Japon (1968) de Yasuzo Masumura avec Eiji Funakoshi, Mako Midori, Noriko Sengoku.

Dark Water (2002)

2010-04-24T23:22:00.008+02:00

Yoshimi est une femme charmante qui lutte pour élever seule sa fille de six ans. Elle pense avoir fait le plus difficile en trouvant un logement et un travail mais elle va devoir faire face à des phénomènes bien étranges : de l’eau s’écoule de son plafond, des bruits de pas retentissent dans l’appartement inoccupé du dessus et le souvenir d’une petite fille disparue deux ans plus tôt ressurgit.

Hideo Nakata est un maître de l’angoisse. Il l’avait déjà prouvé en réalisant Ring, il le confirme avec Dark Water. On est ici très loin des bêtises grand-guignolesques made in USA du style Scream, Freddy ou Jeepers Creepers, qui font rires plus qu’elles n’effraient. Vous ne verrez dans ce film ni monstres ni hémoglobine. Nakata est un cinéaste de talent. Il sait faire naître la peur de situations à priori anodines avec des moyens simples : des bruits de pas, une silhouette entre-aperçue de ci de là et quelques litres d’eau.

Il s’attèle d’abord à instaurer une atmosphère pesante et irréelle comme le fait si bien sa compatriote Yôkô Ogawa dans ses romans. Ici le décors joue un rôle important : un grand immeuble sombre qui semble inhabité et des pluies diluviennes qui s’abattent presque constamment sur la ville. Puis Nakata distille l’angoisse par petites touches successives, sans jamais rien montrer ou presque, à l’instar des grands chefs-d’œuvre fantastiques que sont La Maison du diable et Le Projet Blairwitch. Enfin, après avoir torturé le spectateur à petit feu durant une bonne heure, il conclu sur une effroyable apothéose. Dark Water est un cauchemar poétique qui glace le sang et peut être comparé à l’œuvre d’Edgar Allan Poe.

仄暗い水の底から – Japon (2002) de Hideo Nakata avec Hitumi Kuroki, Rio Kanno, Mirei Oguchi, Asami Mizukawa.

La Traduction audiovisuelle : approche interdisciplinaire du sous-titrage

2010-04-24T20:14:00.004+02:00

Nous regardons des films et autres programmes audiovisuels en version sous-titrée quotidiennement, mais nous nous interrogeons rarement sur le sous-titrage. Cet ouvrage est consacré à cette forme de traduction, finalement assez méconnue.

Ce livre reprend l’essentiel des travaux présentés lors d’une journée d’études internationale sur le sous-titrage qui s’est déroulée à l’Université de Montpellier 3 en juin 2006.

Son grand intérêt est qu’il propose une approche multidisciplinaire sur le sujet, permettant au lecteur d’avoir une vision globale du sous-titrage. Ainsi le sous-titrage est abordé tour à tour par des spécialistes du cinéma, de la traductologie, de la linguistique et de la psychologie cognitive.

Les deux premiers textes nous intéressent plus particulièrement.

Le premier, signé Jean-François Cornu, dresse un panorama de l’évolution des pratiques de sous-titrage en France des années 30 à nos jours. Une bonne façon d’introduire le sujet et de faire découvrir au lecteur les différentes techniques employées et les pratiques des adaptateurs. Il montre que si les progrès techniques sont énormes à partir des années 80, la qualité des traductions est en baisse pour des raisons de détériorations des conditions de travail dans les laboratoires et chez les traducteurs.

Un deuxième texte, signé Christian Viviani, s’intéresse au sous-titrage dans le cinéma américain. En effet, lorsque qu’un cinéaste américain aborde une culture étrangère, il se doit, par soucis de réalisme, de recourir au multilinguisme. L’auteur de ce texte montre l’importance dramatique que prend le choix de sous-titrer ou de ne pas sous-titrer ces passages en langue étrangère, en s’appuyant sur divers exemples de Mr. Wu (1927) à la série Lost (2004) en passant par Chasse à l’homme (1941), Le Parrain (1972), French Connection II (1974) ou encore Danse avec les loups (1990).

Deux autres textes abordent deux autres formes de sous-titrage et leurs problématiques bien distinctes : le sous-titrage pour sourds et malentendants et le sous-titrage des documentaires.

On retrouve également des textes consacrés à la classification des sous-titres, au format des sous-titres (polices de caractères, couleur, boite de dialogue, nombre de lignes, positionnement sur l’écran, nombre de caractères, changement de séquence), aux aspects linguistiques du sous-titrage liés à l’interculturalité, ainsi qu’au rôle de l’image dans la traduction d’un texte multimodal avec une étude de cas de la série NYPD Blue.

Enfin, Jean-Marc Lavaur conclu l’ouvrage en s’intéressant à la compréhension des films sous-titrés. Pour cela, il cerne les activités cognitives que les spectateurs développent quand ils visionnent un film en langue étrangère sous-titré. En s’appuyant sur trois expériences réalisées en laboratoire, il étudie l’effet des sous-titres sur la compréhension et la mémorisation du message filmique.

La Traduction audiovisuelle : approche interdisciplinaire du sous-titrage - Jean-Marc Lavaur & Adriana Serban - De Boeck - 2008 - 158 p.

Il était une fois Walt Disney

2010-04-24T20:08:00.005+02:00

Le Grand Palais présente «Il était une fois Walt Disney : aux sources de l’art des studios Disney », une exposition passionnante sur la création des plus célèbres dessins animés américains.

Plus qu’un dessinateur, Walt Disney est un directeur artistique. C’est lui qui supervisa la création des dessins animés, donna des orientations à ses dessinateurs. L’exposition s’attache donc d’abord à montrer au spectateur les sources d’inspirations des œuvres de Walt Disney. On y retrouve de nombreux livres illustrés, ramenés par Disney d’un long voyage en Europe en 1935. Principalement datés du XIXe siècle ou du début du XXe siècle, ces livres ont servi d’inspiration à Disney que ce soit pour la création de personnages, de décors ou pour la mise en scène. On y retrouve notamment les gravures de Gustave Doré ou les dessins de Benjamin Rabier. Autre source d’inspiration majeure de Disney : le cinéma. Que ce soit dans les premiers Mickey, qui parodient ouvertement les classiques expressionnistes allemands et les grands succès hollywoodiens (Le Cabinet du Docteur Caligari, Frankenstein, King Kong, Les Temps modernes), ou dans ses célèbres longs métrages, Disney a prêté beaucoup d’attention aux œuvres cinématographiques. Ainsi on apprend que Joan Crawford a inspiré la ténébreuse reine de Blanche Neige et les sept nains ou que le Rebecca de Hitchcock a inspiré Cendrillon.

Les œuvres des dessinateurs de Disney sont bien sûr représentées. On peut y voir de nombreuses œuvres illustrant les diverses étapes de la création d’un dessin animé. Cela va du simple croquis préparatoire à la création du personnage aux aquarelles, gouaches et huiles sur verre en passant par les décors de production en celluloïd ou les modèles d’animations, ces personnages en plâtre peint ou parfois en cire, utilisés comme modèles par les dessinateurs. Des extraits de films sont également projetés le long du parcours. L’occasion de redécouvrir ces chefs d’œuvres que l’on n’a plus revus depuis l’enfance. Parmi les plus représentés Fantasia, La Belle au Bois Dormant, Le Livre de la Jungle, Pinocchio, Blanche Neige et les sept nains, Peter Pan, Alice au pays des merveilles et Cendrillon.

A noter également la présence de la maquette du château de La Belle au bois dormant conçu en 1990 pour Eurodisney ou l’Oscar reçu par Walt Disney pour Blanche Neige et les sept nains, accompagné de sept Oscars miniatures.

L’avant-dernière salle est consacrée à Destino, projet de collaboration de Walt Disney et de Salvador Dali. Les deux hommes avaient entrepris un dessin animé surréaliste. Le projet a avorté mais l’exposition présente des dessins à l’encre et des aquarelles et huiles faites par Dali pour Destino. Le projet était dans un état suffisamment avancé pour que l’on puisse en tirer un film de 6 minutes projeté à l’exposition.

Enfin, la dernière salle est dédiée aux œuvres contemporaines inspirées de Disney. Ainsi la boucle est bouclée. L’art se nourrit de l’art et se recycle sans cesse. On y retrouve entre autres Andy Warhol et Ray Lichtenstein.

Il était une fois Walt Disney : aux sources de l’art des studios Disney, du 16 septembre 2006 au 15 janvier 2007 aux Galeries nationales du Grand Palais.

Marilyn : la dernière séance

2010-04-24T20:04:00.005+02:00

Le musée Maillol propose du 29 juin au 30 octobre, une exposition de portraits de Marilyn Monroe pris par le photographe Bert Stern, pour le magazine Vogue, peu de temps avant la mort de l’actrice en 1962. Troublant.

Les photos exposées ont été prises en deux temps. La première séance a duré 12 heures, apprend-on. Douze heures que Marilyn, Bert Stern et l’agent de la star ont passé dans une suite de l’hôtel Bel-Air à Los Angeles avec quelques bouteilles de vin. Les photos de cette première séance sont trop dénudées pour le magazine Vogue qui commande alors une seconde séance de photos, plus sages.

Proposées pêle-mêle, sans aucun commentaire, les photos des deux séances sont mélangées. On y voit une Marilyn Monroe, maquillée, au look glamour, jouant avec des colliers ou se déguisant en Audrey Hepburn dans Breakfast at Tiffany's.

Mais les photos les plus troublantes sont celles de la première séance. Marilyn nous apparaît incroyablement authentique, sans maquillage et nue ou jouant avec un voile qui ne cache en rien ses formes. Elle apparaît alors bien fatiguée, usée, et l’on découvre des défauts à ce corps qui semble si parfait dans les films : une multitude de grains de beauté, un petit nez en trompette si peu Hollywoodien et, sur le ventre, une cicatrice impressionnante. Pas de doute Marilyn est une simple femme et pas une déesse comme la mythologie hollywoodienne a voulu nous le faire croire. Pourtant ces imperfections et cette apparente fragilité renforcent le mythe et rendent l’actrice plus proche de nous que tant d’autres actrices à la plastique plus irréprochable. Et puis, bien sûr, il y a l’imminence de la mort, qui frappera Marilyn peu de temps après la prise de ces photos. Une mort tragique sur laquelle plane un insupportable mystère. La star l’ignore, le spectateur le sait et cherche en vain des réponses dans ce visage, dans ces yeux, comme si la vérité s’y trouvait cachée.

Marilyn, la dernière séance – Bert Stern
Du 29 juin au 30 octobre 2006
Musée Maillol – 61, rue de Grenelle 75006 Paris
Ouvert tous les jours sauf mardi et jours fériés, de 11h à 18h

Hollywood costards

2010-04-24T19:59:00.005+02:00

Hollywood Costards est un livre magnifiquement illustré dont la finalité est d’apprendre aux hommes à s’habiller en prenant exemple sur les stars de cinéma. Mais attention, l’élégance à un prix !

« Pourquoi la plupart des hommes ne savent-ils pas s’habiller ? », se lamente l’auteur, Marion Maneker, dans son introduction. « Par manque d’imagination », répond-il alors, fataliste. Mais Maneker, journaliste de mode masculine pour le New York Magazine et GQ, ne se décourage pas pour autant et relève le défit fou d’apprendre aux hommes à s’habiller en s’appuyant sur le cinéma, principalement hollywoodien, et ses icônes d’hier et d’aujourd’hui.

Lorsque l’auteur dresse son hit-parade des acteurs les plus élégants, il cite avant-tout Fred Astaire, Gary Cooper, Cary Grant, Al Pacino, John Travolta, Sean Penn, Jeremy Irons, Jude Law et Steve McQueen. On retrouve d’ailleurs l’interprète de Bullitt dans presque tous les chapitres de ce livre, lui qui symbolise mieux qu’aucun autre l’élégance naturelle.

Magnifiquement illustré par des photos de stars, le livre apprend donc à choisir son costard, son smoking, sa tenue chic décontractée, sa tenue de week-end, sa tenue de soirée, ses cuirs et jeans, ses accessoires de mode et à porter le blanc, le noir et même pour les plus audacieux, les tenues à rayures, à carreaux ou à pois.

Il faut bien le reconnaître, les exemples sont souvent bien choisis et il y en a pour tous les hommes. Que vous soyez, grand ou petit, gros ou mince, blond ou brun, vous apprendrez à la lecture de ce livre ce qui vous convient le mieux. Une fois que vous aurez compris à quoi vous devez ressembler, ne croyez pas pour autant que le plus dur est fait.

En effet, vous relooker ne sera pas facile si vous disposez d’un budget moyen car l’auteur ne vous conseille pas du Celio. Pour ressembler à une star il faut porter des vêtements de stars comme le montre les références de l’auteur : Façonnable, Hugo Boss, Ralph Lauren, Zegna, Cerrutti, Giorgio Armani, Prada, Gucci, Dior ou encore Paul Smith. Autant dire que se constituer une garde-robe de star ne se fait pas du jour au lendemain et qu’il vous faudra beaucoup de patience et de restrictions pour y parvenir. Mais c’est bien connu, pour être beau il faut souffrir !

Hollywood Costards : leçons de style, leçons de stars, de Marion Maneker, Assouline, 2002, 168 p.

Masterclass William Friedkin

2010-04-24T19:54:00.006+02:00

Le samedi 15 avril 2006, le cinéaste William Friedkin donnait une conférence à la Cinémathèque Française. L’occasion de donner quelques secrets de fabrication, de livrer sa vision du monde du cinéma et de donner des petits coups de griffes à Arnold Schwarzenegger.

William Friedkin fait partie de ces jeunes réalisateurs qui révolutionna le cinéma américain dans les années 70 avec des films comme French Connection ou L’Exorciste (voir le livre culte Le Nouvel Hollywood). Hélas la suite de sa carrière fut plus décevante. Loin des films pharaoniques de ses confrères Lucas, Spielberg ou Coppola, Friedkin dû se contenter de séries B que ne remarquèrent que les cinéphiles avertis.

Pour cette rencontre, l’équipe de la Cinémathèque a sélectionné trois extraits de films de Friedkin. Le premier est une poursuite en voiture éprouvante issue du film Police Fédérale Los Angeles. Le deuxième, issu du film Traqué, est une scène plus intimiste durant laquelle un tueur, interprété par Benicio Del Toro, vient retrouver son ex et sa petite fille mais doit faire face à Tommy Lee Jones qui le traque pour le FBI. Enfin, le troisième extrait, qui provient du film Le Convoi de la peur, montre un camion, conduit par Bruno Cremer, traverser un précipice sur un pont en suspension alors qu’une tempête fait rage.

Chaque extrait est suivi de questions et William Friedkin se montre à chaque fois très éloquent. A l’aise, debout, le micro à la main, il parcourt la scène en évoquant son travail avec beaucoup d’humour. Il décrit en détail les trucages visuels employés pour la scène de Police Fédérale Los Angeles ou les trucages sonores lorsque la tête de la petite fille possédée tourne à 360° dans L’Exorciste (le portefeuille de l’astucieux bruiteur Mexicain). Il donne aussi sa triste vision d’Hollywood, désormais dirigé par des financiers qui ne s’intéressent qu’aux chiffres et n’ont pas cet amour du septième art qu’auraient eu leurs aînés. Il en profite également pour égratigner de temps à autre Arnold Schwarzenegger pour qui il n’a visiblement pas voté. Enfin, Friedkin aborde le sujet de la direction d’acteur, comparant l’instinctif Tommy Lee Jones au complexe Benicio Del Toro, qui applique à la lettre la méthode de l’Actor’s Studio et a donc besoin de tout savoir sur son personnage.

A la fin, la parole est donnée au public pour d’ultimes questions avant que William Friedkin soit pris d’assaut par les amateurs d’autographes. Ceux-ci sont à la fête puisque, outre Friedkin, ils ont pu obtenir les signatures du metteur en scène Barbet Schroeder, du directeur de la photographie Darius Khondji et de Sherry Lansing, starlette des 70s devenue productrice à succès et première femme à avoir accédé à la direction d'un grand studio hollywoodien (20th Century Fox dans les années 80 puis la Paramount).

Tyrone Power

2010-04-24T19:48:00.006+02:00

Superstar des années 30-40, Tyrone Power est allé de succès en succès durant toute sa carrière jusqu’à ce terrible 15 novembre 1958 où il est terrassé par une crise cardiaque sur le tournage du film Salomon et la Reine de Saba. Il n'avait que 44 ans.

Né à Cincinatti (Ohio), le 5 mai 1913, dans une famille de comédiens, c’est tout naturellement que Tyrone Power embrassa la carrière d’acteur. Il fut découvert par Darryl Zannuck qui lui mit le pied à l’étrier avant de signer à la 20th Century Fox où il fit l’essentiel de sa carrière cinématographique. Si Tyrone Power n’était pas considéré comme un grand comédien, il a pourtant réussi une carrière remarquable, couronnée de succès, que son physique séduisant et sa gentillesse, souvent louée, ne suffisent pas à expliquer. Très populaire dans les années 30 et 40, ce brun ténébreux joua tout d’abord dans des romances avant de concurrencer Errol Flynn dans les rôles d’aventuriers : il fit toutes les guerres et porta des costumes de toutes les époques. On le vit en cowboy, pirate, toréador, conquistador, chevalier, militaire dans l’armée de l’air, de terre ou dans la marine, scientifique voyageant dans le temps, prophète Mormon ou encore roi d’Israël.

Le metteur en scène favori de Tyrone Power était Henry King. Les deux hommes tournèrent onze films ensemble dont Lloyds de Londres (1936), Le Brigand bien aimé (1939), Le Cygne noir (1942) ou Le Soleil se lève aussi (1957) d’après Hemingway. Parmi les autres films que tourna Tyrone Power, citons La Folle parade (1938), Brigham Young (1940), Le Signe de Zorro (1940), La Dernière flèche (1952), Ce n’est qu’un au revoir (1955), Tu seras un homme mon fils (1956) ou Témoin à charge (1957).

Mais les rôles les plus intéressants de Tyrone Power ne sont pas toujours les plus connus. Ainsi, Le Charlatan (1947), fut un échec mais beaucoup le considère aujourd’hui comme son meilleur film. Dans ce conte d’une grande noirceur, qui se déroule dans un petit cirque ambulant, Power interprète un personnage peu sympathique à la destinée tragique. Un autre de ses rôles ambitieux est celui qu’il interprète dans Le Fil du rasoir (1946) d’après le roman célèbre de Somerset Maugham.

Dans les années 50, Tyrone Power se fit plus rare. Cela ne l’empêcha pas de jouer au théâtre et de tourner des films en free-lance. C’est ainsi qu’il s’engagea dans le péplum américano-italien Salomon et la reine de Saba en 1958. Le film fut dirigé par le vétéran King Vidor avec George Sanders et Gina Lollobrigida. Le tournage eu lieu en Espagne. Il ne restait que les scènes de gros plans à tourner quand le drame eu lieu. Le 15 novembre 1958, au cours du tournage d’une scène de duel à l’épée avec l’acteur George Sanders, Tyrone Power fut victime d’un malaise cardiaque. L’acteur demanda une pause et son cardiologue le rejoint. Le médecin, présent sur le plateau depuis que l’acteur s’était plaint de douleurs à la poitrine et au bras quelques temps auparavant, fut impuissant face au malaise de l’acteur qui suffoquait. Avec l’aide des deux producteurs du film, il embarqua donc la star à bord de la voiture la plus rapide, le coupé sport de Gina Lollobrigida, et le transporta d’urgence à l’hôpital le plus proche. En vain. A 13h15, un quart d’heure après son arrivée à l’hôpital, Tyrone Power s’éteignait. Il n’avait que 44 ans *.

L’acteur laissait derrière lui une femme (sa troisième après l’actrice française Annabella puis Linda Christian) et trois enfants. Le film Salomon et la reine de Saba sortit au cinéma mais avec Yul Brynner qui remplaça Tyrone Power sur les scènes en gros plan alors que sur les plans plus lointains on peut voir le vrai Power.

* L’histoire du tournage tragique de Salomon et la reine de Saba est racontée dans un chapitre du livre Secrets de tournages de Henry-Jean Servat, Le Pré aux Clercs, 2001.